Algo pasa en Las Vegas

Título: Algo Pasa en las Vegas (What Happens in Vegas)
Director: Tom Vaughan
Año: 2008
País: Estados Unidos
Género: Comedia Romántica
Duración: 99 min.
Reparto: Cameron Diaz, Ashton Kutcher, Rob Corddry, Treat Williams, Lake Bell, Michelle Krusiec, Krysten Ritter, Dennis Farina


Algo pasa en las Vegas (What Happens in Vegas) es una divertida comedia romántica dirigida por Tom Vaughan, que más allá de dirigir algún episodio de televisión no tiene más en su currículum que el largometraje Starter for 10, no estrenado en España.
Hay que aclarar que, aunque el título en español de esta comedia y el protagonismo de Cameron Diaz hagan pensar en una secuela de Algo pasa con Mary, lo cierto es que las dos películas solo se parecen en lo disparatado de algunas de sus situaciones.

El nombre original del film viene del clásico refrán norteamericano que dice “What Happens in Vegas, Stay in Vegas”, es decir, “Lo que pase en Las Vegas, se queda en Las Vegas”. Precisamente este es el argumento de la película. El director ironiza sobre los matrimonios en la ciudad de los casinos.

Las Vegas es la ciudad del pecado abierta las veiticuatro horas; como si todo fuera posible y todo estuviera permitido, allí la gente hace cosas que probablemente jamás haría eb ningún otro lugar. Así que el título original transmite la sensación de viaje al lado más desenfrenado y loco de cada persona. A pesar de ello, la mayor parte del film transcurre en Nueva York.

Mientras su dirección corre a cargo de Tom Vaughan, debe su guión a la empresa Dana Fox, que tuvo la idea del argumento de la película mezclando dos elementos solo posibles a realizar en Las Vegas: la primera es casarse por capricho con un desconocido y la segunda, ganar una gran suma de dinero. Entonces esta idea da lugar a todo el desarrollo de la película.

La comedia cuenta dos protagonistas que son especialistas en hacer reír a sus públicos. En el papel de la chica esta la Cameron Diaz, que realiza el papel de Joy, a quien su prometido acaba de abandonar. Y Ashton Kutcher es Jack, despedido de la empresa por su propio padre. Ambos, para olvidar sus penas, deciden ir, cada uno por su parte, a Las Vegas. Allí se conocerán y se divertirán juntos, pasarán una noche llena de locura, descontrol y desenfreno, abusando de alcohol y juego. Pero al despertarse a la mañana siguiente, se dan cuenta que han cometido un gran error: se han casado.

En un principio, la idea de los dos es divorciarse, pero Jack gana tres millones de dólares en una máquina de tragaperras con la moneda de Joy. Como son marido y mujer, legalmente, el premio es de los dos y ninguno piensa ceder al otro. Esto lleva a la guerra que acabará en amor.
De vuelta a Manhattan, ambos quieren el divorcio, pero el juez les impide divorciarse inmediatamente y les impone una peculiar condena: les niega la anulación de la condena y estarán obligados a aguantarse durante seis meses en caso de querer conseguir el premio. Ambos tendrán que convivir juntos, ir a la terapia, mientras intentan demostrar al juez que el otro es el mayor irresponsable del mundo, hacer todo lo posible para que meta la pata para quedarse con los bienes gananciales. Finalmente, los recién casados, empiezan a hacer planes cada vez más complicados para acabar el uno con el otro y quedarse con el dinero, pero lo único que conseguirán es enamorarse entre mutuas puñaladas por la espalda.

Algo pasa en Las Vegas no se puede considerar como una película original, puesto que sigue la misma dinámica clásica de amor-odio que muchos films tópicos norteamericanos disfrazados de talento, experiencia y sobretodo, mucha belleza, con un vestuario impecable, y evidentemente un profesional grupo de estilistas, peluqueros y maquilladores. Todo ello, se ve reflejado en Cameron Diaz, que aparece espléndida en todo momento. Lo que plantea ha sido tratado muchísimas veces y muchas de ellas, bastante mejor como es el caso de La Guerra de los Rose, Separados, o incluso desde los mismos Cary Grant y Katharine Hepburn.

Pero sus estrellas, que son unos iconos claros para adolescentes y han enfocado sus carreras precisamente en este tipo de entretenimiento ligero, saben cómo conquistar a la cámara y nos hacen pasar un buen rato. Es evidente que los actores tienen la sorprendente facilidad para congeniar tan bien y formar una exclusiva pareja disparatada que hace reír en unos momentos y emociona en otros. No cabe duda que los protagonistas presentan una química que sostiene la película. Los dos guapos oficiales de Hollywood se desenvuelven con total soltura en un género que dominan a la perfección al ser el principal exponente de buena parte de su filmografía. Transmiten a la perfección esta química en pantalla, tanto en las escenas puramente románticas como los enredos y argucias que cada uno planifica por separado para hacerle la vida imposible al otro, arrancándo más de una sonrisa al más escéptico de los espectadores.

La película consta de dos partes claramente diferenciadas. Al principio, hay un tramo inicial literalmente desesperante, donde un agotador montaje marea al espectador. Afortunadamente, termina pronto, y ya de regreso a Nueva York la película se tranquiliza y adopta unos modos mucho más al uso en este tipo de producciones. Conforme se va desarrollando, Algo pasa en Las Vegas comienza a mejorar paulatinamente quedando una comedia romántica que pese a su escasa originalidad, acaba convirtiéndose en un entretenimiento perfectamente disfrutable.

Esta película recuerda al dibujo animado de La Bella y la Bestia: Cameron Diaz como una señorita delicada, glamorosa y encantadora, obsesionada con la perfección; mientras que por el lado de Ashton Kutcher tenemos a un completo desordenado, sucio y vago. O sea, dos polos opuestos difíciles de juntar, pero se ven obligados a soportarse. Dicha mezcla ha dado un buen resultado, además de una película entretenida, divertida y fresca, también transmite un conjunto de valores muy positivo para la sociedad de hoy en día: la humildad, el compartir, la dignidad, entre muchísimos más. Incluso transmite la moraleja de que lo importante es ser uno mismo y no lo que los demás esperan de ti. También intenta reflejar que “la casa del vecino siempre es más bonita”, y que de lo que se trata es de hallar la propia felicidad.

Aun que el guión no sea de lo más original, los diálogos no se basan en los típicos chistes malos sino en situaciones divertidas que nos mantienen atentos a pesar de conocer el final obvio desde el principio. Lo que lleva a la conclusión que lo clásico aun sigue funcionando, es decir, que a pesar que resultar repetitiva y con un final totalmente previsible, consigue introducirte en el argumento y vivirlo junto a los protagonistas y otros personajes.

Mención a parte se merece la banda sonora, que sin destacar en absoluto supone una muy cuidada mezcla entre las melodías más típicas y canciones de Mika o Jet, que resucitan un poco la película cuando esta comienza a decaer. Potencia todos los sentimientos que quiere transmitir y acompaña el ritmo de la narración de una forma muy acertada.

De manera que se podría definir a Algo pasa en Las Vegas como una nueva comedia gamberra, con rasgos típicos de siempre, con toques de romanticismo que nos llega directamente del Hollywood. La película constituye una buena opción para todo amante de las comedias románticas, o para el que, simplemente, quiera ir al cine a distraerse y pasar un rato agradable.

Lioudmila Vikoulina

Mi novio es un ladrón

Título original: My Mom’s New Boyfriend

Duración: 91 minutos

Director: George Gallo

Reparto: Antonio Banderas (Tommy), Meg Ryan (Marty Durand), Colin Hanks (Henry Durand) y Selma Blair (Emily)

Género: Acción/ Comedia romántica

Año: 2008

Mi novio es un ladrón… ¿Quién es un ladrón? ¿Antonio Banderas (Tommy)? Efectivamente, en esta nueva película que protagoniza, se pone en el papel de un ladrón de arte buscado por el FBI. No es hasta que conoce a una mujer que especial por donde se mire, Meg Ryan (Marty Duran), que se da cuenta de que ya es hora de dejar atrás su pasado. Las casualidades son tantas que el propio hijo de Marty, Henry, descubrirá quién es verdaderamente el nuevo pretendiente de su madre, y tendrá que ser el responsable de investigar, perseguir y atrapar a este tan buscado delincuente.

Mi novio es un ladrón hace crecer el repertorio de películas cómicas/románticas protagonizadas por Antonio Banderas. Pero es probable que al actor español le haya llegado la hora de variar tanto en géneros cinematográficos como en argumentos. El montaje cinematográfico no merece comentarios despectivos pero la originalidad de la trayectoria de esta estrella del cine de Hollywood y del cine español está un poco hasta cierto punto paralizada.
Meg Ryan no se queda atrás tampoco. Su caso es parecido al de Banderas. Cualquier persona que haya seguido mínimamente su carrera cinematográfica es capaz de reconocer que la gran mayoría de películas que ha protagonizado no se alejan casi nunca (por no decir nunca) del género comedia romántica. Dicen que un buen actor es aquel que es capaz de interpretar cualquier tipo de papel. Pues entonces se debería hacer un replanteamiento sobre las famosas listas de las estrellas de Hollywood, porque si Meg Ryan y Antonio Banderas son considerados unos de los mejores actores del mundo hollywoodiense…

Dicen que la primera impresión es muy importante. Si es realmente así, el título de esta nueva película de George Gallo no es la mejor estrategia para generar una buena primera impresión. “Mi novio es un ladrón”…un título igual de original y trabajado que el argumento de esta comedia romántica. La única primera impresión que puede transmitir un título como este es la de ver una peli simplemente para pasar el rato, sin esperar en ningún momento un historia compleja y muy trabajada.
El cine en general se ha convertido en un sin fin de películas extremadamente parecidas entre sí cada una dentro de su género. Películas que llegan a parecer gemelas, con argumentos, historias, finales, estética, e incluso actores exageradamente parecidos. Se ha perdido ese factor de originalidad por el que durante parte importante de la historia del cine se ha luchado por conseguir. Pero hoy en día prima la comercialidad por encima de la originalidad. Son muy pocas las producciones cinematográficas que despiertan interés artístico en los espectadores, y éstas son las que ganan premios, pero a lo mejor no llenan las salas de cine como las demás películas comerciales.

El papel de la mujer sexi, provocativa y atractiva toma, hasta cierto punto, el mismo protagonismo, o incluso más, que los propios Antonio y Meg. Marty es una mujer que durante toda su vida no ha sido muy agraciada en lo que a su físico respecta. Es por esto que una vez que consigue cambiar ese aspecto, inconscientemente también cambia su forma de ver la vida. Decide “comerse el mundo” y “llevarse todo por delante”. Ahora se siente guapa, atractiva y capaz de seducir a cualquier hombre. Y así lo hace hasta que se enamora de un hombre que, aparentemente, es lo que ella necesitaba.
Pero… ¿en que beneficia al argumento de la película el hecho de insistir tanto en la feminidad de un personaje como el de Meg Ryan? Hasta cierto punto los papeles de madre e hijo se invierten. Henry es la persona responsable, sensata y coherente de la familia, y Marty actúa como una adolescente con increíbles ganas de vivir.
¿Cuál es la causa principal de tanta insistencia en exponer el aspecto físico y el poder de seducción de Meg Ryan? ¿Se deberá al hecho de que se trata de una actriz que no puede permitirse el lujo de hacer evidente el paso del tiempo por el que la gente “normal” no puede evitar pasar? Se intenta transmitir una imagen de mujer a la que cualquier mujer querría parecerse, al menos en el aspecto físico, porque en lo que respecta a la forma de ver la vida ya estaríamos entrando en otro terreno.

Hay un pequeño intento de introducir conocimientos sobre otras culturas en Mi novio es un ladrón, pero simplemente eso: un intento, porque no se hace otra cosa que utilizar e típico factor de la mafia. En este caso se trata de la mafia albanesa. Un bar de donde es asiduo “cliente” Tommy es el escenario donde se reflejan algunas características de la cultura musulmana (albanesas) como el conocido baile característico de ésta.
Sin embargo, es lógico cuestionarse el por qué de que siempre, en la mayoría de películas,
Da la sensación que se trate de una película hecha simplemente para que la gente no se olvide de que dentro del mundo de Hollywood hay dos actores que se llaman Antonio Banderas y Meg Ryan, pero que no aporta ni cuenta nada nuevo a los espectadores. Básicamente ha llegado el momento de hacer un replanteamiento sobre el cine que nos dan y el cien que realmente queremos ver...

Valeria Barreiro

ELEGY

Títol: Elegy
Directora: Isabel Coixet
Any: 2008
País: Estats Units
Gènere: Drama
Duració: 108 min.
Intèrprets: Penélope Cruz, Ben Kingley, Dennis Hopper (George O’Hearn), Patricia Clarkson (Carolyn)

A la universitat. David Kepesh (Ben Kingsley), un reputat professor i crític literari captiva i sedueix a dòcils jovenetes universitàries per passar una nit agradable en pro de l’experiència. El que creu: les trobades no duraran més d’una nit. El que no sap: en realitat busca oblidar que es fa gran i que la vida ja l’acompanya més de mig segle.

Consuela Castillo (Penélope Cruz), per la seva banda, és una bella estudiant que no passa desapercebuda als ulls del catedràtic. Després d’un petit (i aparent) període de seducció, Consuela cau rendida als braços del gran orador i es planteja un conflicte moral: la jove no només és un cos bonic, no només un objecte de desig.

La intensitat emocional que desperta Consuela fa que ràpidament es desmuntin els principis de Kepesh i, als ulls del professor, la universitària deixi de ser una altra joveneta amb cos bonic per convertir-se en una veritable i passional obsessió.

Isabel Coixet és una directora que s’ha forjat en el món de la direcció entre altre motius per l’alt contingut feminista de les seves pel·lícules. Recordem que, de la mà d’aquesta guionista i directora catalana, han sortit produccions tant reconegudes com Mi vida sin mi, en la qual la protagonista descobreix que li queda poc de vida i decideix afrontar-ho sola mentre organitza la vida de la seva família per quan ella no hi sigui o La vida secreta de las palabras, en la qual una dona solitària i reservada, que fuig d’un tràgic passat, comença a treballar en una plataforma petrolífera perquè tingui cura d’un treballador que s’ha quedat convalescent.

En tots dos casos la dona s’allunya dels estereotips tradicionals, els quals sovint la converteixen en una criatura pecaminosa, infantil o simple objecte sexual, per acabar posicionant-la com a eix central, la figura imprescindible sense la qual la historia no té sentit.

D’altra banda les produccions de Coixet són fàcilment identificables ja que comparteixen grans guions amb històries d’una gran sensibilitat poètica i personatges amb una gran vida interior. Films que, pel seu alt contingut dramàtic, a uns emocionen i fan reflexionar, a la vegada que a altres avorreixen per la lentitud i el desaforat sentimentalisme. Aquests trets tan característics són la firma de la directora catalana, la qual impregna de personalitat i prestigi totes les seves produccions.

Elegy és un llargmetratge adaptat basat en la novel·la de Philip Roth, El animal moribundo, que ha estat produïda completament a nord-amèrica. En aquest cas, tot i que hi ha dos coprotagonistes, aquests també giren al voltant de la figura femenina: Consuela. El animal moribundo fa referència a David Kempesh el qual, tot i el haver fugit d’un matrimoni per independitzar-se completament, no és inmune a una vellesa que el ronda i el contempla cada dia.

Malgrat la direcció de Coixet, però, és una pel·lícula que es desvia de les seves produccions anteriors; tant personals, escrites i dirigides amb la marca inconfusible d’Isabel Coixet.

Elegy, malgrat l’aparent romanticisme que configura la trama, posa al descobert una manca de diàlegs sincers i emotius i una falta d’atmosferes intimistes tant pròpies de les produccions anteriors. Històries amb grans superacions interiors que, al contemplar la solitud dels protagonistes, ajudaven a l’espectador a desenvolupar una necessària empatia.

En aquest cas, el drama queda supeditat a una forçada posada en escena en la qual els retrobaments sexuals són poc suggerents, la qual no millora fins més endavant quan el romanticisme reviu al retrobar-se els protagonistes. Les emocions comencen a aflorar quan es du a terme una commovedora sessió fotogràfica amb clares reminiscències al quadre de la Maja desnuda.

En tota aquesta trama principal, podem distingir-hi dos històries secundàries ens ajuden a desvincular-nos lleugerament de la història amorosa de Kempesh – Castillo. En primer lloc distingim la dualitat que s’estableix entre David - un pare sense prejudicis sexuals- i el seu fill, de moral estricta, que mai arriba a entendre el comportament del seu progenitor (ni tan sols en el moment en què a ell ha de qüestionar-se la continuïtat del seu matrimoni). En segon lloc descobrim la relació que s’estableix entre David i el seu íntim amic George, el poeta que li dóna consells. A través de les converses que mantenen al llarg de la trama podem descobrir els temors, les inquietuds i els desitjos del protagonista que es deixen caure a mode de confessionari d’una manera tant simple com poc subtil.

D’altra banda, Elegy ens aporta una guspira de vitalitat al presentar-nos a l’amant oficial de David: Carolyn (Patricia Clarkson), una executiva liberal que ens escenifica el desig femení i la qual ens regala un desenfadat streaptease lluny de complexos i prejudicis banals.

Una història intensa que deixa el millor pel final i que, malgrat trencar amb els estereotips d’una emotiva Coixet, és molt recomanable per tots aquells que vulguin assaborir una bona dosis d’exagerat sensualisme.

Laia Dolcet

SÓLO UN BESO

Título: Sólo un beso
Director: Ken Loach
Año: 2004
Países: Reino Unido, Italia y Alemania
Género: Drama
Duración: 108min

Esta semana, en la 2, de TV Española, se podía degustar algo de calidad en la pequeña pantalla. Algo a lo que no, desafortunadamente, no estamos acostumbrados. Aún así es una lástima que se divulgue en una cadena con tan poca audiencia ya que sería interesante que muchos dedicaran el tiempo a hacer o ver cosas interesantes en vez de ver Reality Show en cadenas como Telecinco o Antena 3

Sólo un beso, un título muy dulce, enganchadizo e inocente que poco tiene que ver con sus protagonistas. La relación hay que buscarla más con su entorno, se reivindica algo tan sencillo y humano como un beso es algo así como déjame sentir, déjame vivir mi propia vida.

Sólo un beso, un drama típico pero firmado por Ken Loach y tratado desde una perspectiva de autor a lo ‘indie’. El director desarrolla tres versiones distintas sobre la Escocia Occidental. La de Roisin, Casim y la familia de este último.

La excusa para contarla es la extraña “relación” que mantienen los dos protagonistas, Roisin y Casim. Se podría llamar amor, pero se aleja bastante de las telenovelas, es más bien una relación sexual y pasional que se va forjando por pura atracción al estilo occidental. Trabaja muy bien las escenas de sexo, mostrado lo justo y necesario y deteniéndolas en el punto ideal para que te enganches poco a poco a la historia. La peculiaridad de los implicados es que forman parte de culturas muy distintas: la musulmana y la católica.

El entorno de la pareja en vez de apoyarles intenta distanciarles es como si cada uno tuviese una vida tan diferente al otro que no se pudiesen complementar. Ken Loach pretende así, intentar reivindicar que cada uno se ponga su propia etiqueta y decida su propia identidad. Situándose, por tanto en el lado opuesto de la mayoría de los personajes del film.

Lo malo es que el director no logra despegarse de su propio punto de vista occidental y no acaba de entrar en la mentalidad musulmana. Sí plantea situaciones, sí plantea cuestiones, pero ¿dónde está el intento de aproximación? Sólo se ve una pequeña pincelada en el guión de la pareja, en las charlas de los Cafés. Las ganas de reivindicar la identidad, haberlas las hay. ¿Y todo lo demás? Si hubiese intentado ir más allá podríamos estar hoy hablando de un film de denuncia-documental que realmente aportase algo para las mentes de los cineastas más exigentes.

Hay múltiples historias sobre barreras culturales y religiosas y como influyen estas en las relaciones personales, en cambio pocas intentan entenderlo, hablan más que escuchan. Así las imágenes y la fotografía de Ken Loach hacen precisamente eso, nos lanza mensajes continuamente pero no nos invita a ir más allá. Sinceramente, es una pena que no se haya parado a pensar en ello.

El guión no es novedoso ni original, como tampoco es la música (a piano), todo apunta a que Loach se ha pasado esta vez con los tópicos donde no faltan los irlandeses católicos, el racismo británico, y el ímpetu de las nuevas generaciones a perseguir una nueva vida. ¿Es esa la realidad o simplemente son prejuicios? Esto se refleja a través de tres ejes.

Casim: el niño-adulto musulmán, el único barón, idolatrado por sus padres que se enfrenta a la dura decisión de elegir entre su relación personal y su familia (los valores tradicionales de la cultura musulmana).
Roisin: una joven profesora de música, recién divorciada que lleva una vida muy liberal y que cumple con estilo de vida occidental.
Familia de Casim: aquí es donde se abre una gran brecha entre los padres y la hermana mayor de éste con Tahara, la hermana pequeña.

Los padres del protagonista son muy tradicionales y apenas le dejan decidir sobre su vida e incluso llegan a organizar su boda con su prima Jasmin. Sobretodo el padre, es excesivamente reacio a los cambios e introvertido, probablemente por el duro trato que recibió su generación en 1945 cuando tras la separación de India y Pakistán, se vieron obligados a trasladarse al norte.

Es muy simpática e incluso cómica la escena en que Tahara, de 18 años le dice a su padre que se quiere ir a estudiar fuera y se defiende diciendo que ella es occidental y que si él no lo ve así que hacen viviendo en Glasgow. Es curioso porque son muchos los inmigrantes que van a otros países buscando una vida mejor pero ellos mismos se ponen barreras que se lo impiden. Esta fotografía sí me parece muy buena.

A lo que sí hay que rendirle un homenaje en la naturalidad de los personajes, que lo hacen todo tan fácil y con una naturalidad, sorprendente. Casim tiene cara de descolocado, desconcertado durante toda la película, Tahara es muy buena pero a destacar el ‘papelón’ de la ‘profesora de música’. Es muy expresiva, sin ser exagerada e incluso su vestimenta y su corte de pelo corresponden a la perfección con la imagen deseada.

Estoy segura que la misma historia contada con otros protagonistas hubiese pasado desapercibida por muchos de nosotros. Loach es un maestro en elegir al adecuado. No se deja influir por el ‘carisma’ de las grandes estrellas y busca que sus actores y actrices se parezcan lo máximo posible a sus personajes. Esto se agradece muchísimo, ya que hoy en día cuesta mucho meterse en el papel cuando ves en la misma semana actrices y actores que presentan dos o tres películas a la vez.

Un film, bastante recomendable aunque le faltan esos ‘detalles’ (propios de los documentales -que buscan una aproximación-) que antes comentaba para ser menos tendencioso, más objetivo y por tanto, un referente en el cine actual.

Meritxell Alba

D+D: CONNEXIÓ MADRID

Títol: Connexió Madrid
Director: Webster, Justin
Any: 2007
País: Espanya
Gènere: Documental explicatiu
Duració: 90 min

Dins de les jornades D+D (Documental + Debat), que organitza l’Obra Social de la Fundació ”La Caixa”, vam tenir l’oportunitat de visionar Connexió Madrid, un documental sobre els atemptats de l’11-M de Justin Webster.

Malgrat el bombardeig mediàtic que hi va haver en un principi i les intenses investigacions (policials i judicials), Justin Webster va creure que mancava una recerca exhaustiva del passat dels culpables, dels terroristes islàmics que van dur a terme els atacs als trens d’Atocha. Per aquesta raó i amb l’ajuda de la BBC, TV-3, Cuatro i l’Institut de Cinema Danés, Webster tira endavant un projecte que requereix moltes hores de documentació, d’investigació i d’entrevistes.

Després de quatre anys dels atemptats del 11-M surten a la llum detalls de la vida dels ideòlegs i autors materials de la massacre. Una informació imprescindible per entendre el per què dos individus, de provinença i condicions tan diferents, s’uneixen per idear, dirigir i acabar perpetrant el major atemptat de la història d’Europa.

Connexió Madrid es un documental explicatiu que intenta abordar, de la mà de testimonis directes que van formar part de les vides d’aquests extremistes religiosos, l’entorn, els pensaments i els sentiments de Sarhane (conegut com “El Tunisià”) i de Jamal (El Xinès).

D’aquesta manera, i gràcies a les declaracions de familiars de Jamal, de professors i companys de la Universitat Complutense de Sarhane, de líders de la comunitat musulmana de Madrid i de responsables de la investigació policial descobrim detalls de la vida dels autors de l’atemptat.

Un documental que es remunta a principis dels anys noranta quan dos homes arriben a Madrid moguts per impulsos diferents: mentre Jamal fuig de la justícia després de ser acusat d’homicidi al Marroc, Sarhane és becat per l’Agència Espanyola de Cooperació Internacional per estudiar Ciències Econòmiques). Una dècada després, les seves vides s’encreuaran a fi d’aconseguir un objectiu comú: dur a terme els atemptats per ser recordats com a autèntics salvadors dels principis islamistes.

Noranta minuts que es configuren a través de la combinació d’entrevistes dels testimonis amb profunditat, reconstruccions de moments clau en la vida dels jihadistes (tràfic de drogues, assassinat que Jamal comet al Marroc..), viatges a llocs importants en la història dels atemptats i imatges d’arxiu (invasió d’Irak, 11-S, etc).

El documental se separar en diversos apartats per concloure en un punt central de la trama i el qual aporta el títol a la investigació: La connexió. Qui els va posar en contacte?

Ja sigui per la magnitud de les conseqüències i la transcendència dels fets o per la desconeixença del rerefons dels atemptats, Connexió Madrid manté expectant a l’espectador de principi a fi. Un espectador que s’esgarrifa al sentir declaracions tant punyents com la que fa la dona de Jamal en boca del seu marit: “Me busco lios porqué me los merezco y quiero morir”.

Després de la projecció hi va haver un curt però intens debat amb el director i guionista, Justin Webster, sobre les expectatives i les sensacions creades i viscudes després d’haver visionat el documental.

Malgrat la poca participació del públic, va haver temps per remarcar el propòsit final i la intenció de l’autor (donar a conèixer la psicologia dels terroristes i englobar-la en el context social en què vivien); descobrir la difícil tasca d’organitzar la investigació de forma paral·lela amb la policial i entendre la complexitat de la realització davant la confrontació dels principals partits polítics (PP i PSOE) que es va generar els mesos posteriors. Webster va deixar clar que: “No considerava interessant la lluita entre partits. L’interessant era saber com dos senyors que venen de mons diferents s’acaben trobant per perpetrar l’atemptat”.

Finalment i a tall d’anècdota, és interessant destacar la crítica que un espectador va fer del documental, el qual considerava que es seguien massa les hipòtesis de la fiscal i no hi havia suficient implicació crítica per part de l’autor. D’altra banda i ja al final del debat, dos assistents al D+D van desviar-se del tema per endinsar-se en qüestions polítiques quan un d’ells va qualificar el diari El Mundo (periòdic que sempre ha posat en dubte l’autoria islamista dels atemptats) de publicació “colpista”.

Grup 7

COMO LOCOS A POR EL ORO

Título original: Fool´s Gold

País: Estados Unidos

Año: 2008

Duración: 113 minutos

Género: Aventuras, Comedia romántica

Reparto: Matthew McConaughey, Kate Hudson, Alexis Dziena, Adam Lefevre, Allan Loeb, Brian Hooks, David Roberts, Donald Sutherland, Ewen Bremner, Kevin Hart, Malcolm-Jamal Warner, Michael Mulheren, Ray Winstone, Dirección: Andy Tennant

Aventuras y comedia romántica…palabras que caracterizan a Como locos a por el oro. Normalmente suele asociarse este género con la expresión “tópico y típico”, pero… ¿quién decide qué es “tópico y típico”? Y además, ¿es malo que algo sea tan típico y tópico? Porque no hay que olvidar que estos géneros cinematográficos pretenden entretener al espectador y hacer que se abstraigan del mundo real y las preocupaciones que tienen. Básicamente hacerles pasar un buen momento con risas y una cuota de romanticismo. Entonces, si para que una persona pase 113 minutos agradables sentada en una butaca de cine hay que recurrir a los “tópico y típico” eso será exactamente lo que hará el director de “Como locos a por el oro”, Andy Tennant. Una comedia romántica que mantiene a los espectadores constantemente con la vista en la pantalla, con ganas de saber que aventuras les esperan a los protagonistas, y qué sabor de boca les dejará el final (“tópico y típico”).

El protagonista, Finn (Matthew McConaughey), siempre ha tenido alma de buscador de tesoros, lo que en un principio era una simple afición acabará convirtiéndose en una gran obsesión por encontrar la Dote de la Reina del siglo XVIII. Es tal la obsesión que tiene por estos legendarios tesoros perdidos desde 1715, que ha sido capaz de perder en gran parte el rumbo de su vida, incluso su matrimonio con su mujer Tess (Kate Hudson). El amor hacia ella no había desaparecido pero si el rumbo que debía seguir para hacerle feliz.

A pesar de ello y de que Tess ya estaba intentando empezar una nueva vida, el destino, o mejor dicho un alocado plan de Finn, consigue que ambos se unan para buscar el tan preciado tesoro. Una pista clave hace reaccionar a Finn. Es en el momento en que Finn encuentra la forma de subir a bordo del barco del multimillonario Nigel Honeycutt (Donald Sutherland), donde “curiosamente” trabaja Tess, cuando comienza la aventura…

Los actores presentan unas condiciones fotogénicas bastante notables, algunos reflejan a los prototipos a los que ya estamos acostumbrados a ver en las pantallas de cine, y otros, son notorios simplemente por su larga trayectoria en el mundo del cine. Ejemplos de los primeros son Matthew McConaughey, Kate Hudson y Alexis Dziena (actriz que representa a Gemma, la hija de del multimillonario). Ésta última no tiene un papel central en la película, pero representa claramente las cualidades fotogénicas que puede tener un personaje. Y un claro ejemplo de la otra clase de personajes que son notables por su trayectoria es Donald Sutherland (Nigel en Como locos a por el oro). El simple hecho de participar en la película ya da prestigio a ésta. Todas aquellas personas que tengan un mínimo conocimiento de cine no necesitan ver a Sutherland representando un personaje principal de una película.

Teniendo en cuenta los criterios del feminismo en el cine, es cierto que no esta película no representa exactamente las características de dicha teoría, pero también es cierto que algunos aspectos similares pueden observarse en Como locos a por el oro. En este film, el feminismo no es muy explícito pero si es verdad que se idealiza la imagen de los personajes femeninos, se hace un cierto culto a su cuerpo y a su belleza. Los ejemplos claro que se observan en esta película son los personajes encabezados por Kate Hudson y Alexis Dziena. Ésta última podría considerarse un culto al físico femenino (y a la falta aparente de inteligencia).

Se sabe que años atrás el tema del feminismo estaba vinculado con la expresión “el hombre mira y la mujer es mirada”, pero actualmente esto ha cambiado y sigue cambiando a pasos agigantados. Ya no es la mujer la única que es objeto de miradas por los espectadores masculinos; sino que hoy en día también los personajes como el de Matthew McConaughey son cuidadosamente tratados para atraer la atención de las miradas atentas y críticas del público (generalmente, críticas positivas). Es decir que, en Como locos a por el oro, tanto el hombre como la mujer se convierten en objeto de mirada ya que los protagonistas jóvenes son muy “agraciados” físicamente. De esta forma, se consigue que el espectador se sienta atraído por el físico de estos personajes pero no de una forma abrumadora. En estos casos la mirada de deseo tanto masculina como femenina es bastante sutil, pero está claro que no deja de estar presente durante toda la película.

Otro aspecto que se utiliza con sutileza son los valores morales de la protagonista (Tess). Esto no quiere decir que se trate de un personaje perfecto sin defectos, sino que se intenta demostrar cómo ella es capaz de apartar el corazón de la razón. El guión intenta demostrar lo difícil que puede ser tener que dejar de lado el corazón para hacerle caso a la razón. No sólo se idealiza el aspecto físico sino también la personalidad centrada de este personaje.

La recepción que ha tenido esta nueva obra de Andy Tennant por parte del público demuestra que para entretener a los espectadores no hace falta un guión exageradamente complicado y original. Simplemente basta con tener la capacidad de introducir aspectos que mantengan al público constantemente atento y expectante. Las innumerables escenas de aventuras son protagonistas en este aspecto ya que no dejan tiempo a que la gente que está sentada en las butacas del cine comience a bostezar o a preguntarse por qué no ha elegido ver otra película.

También es cierto que un factor que contribuye en gran proporción a que las salas de cine donde proyectan esta película se llenen es el hecho de que el protagonista de la misma sea Matthew McConaughey. Muchas películas, como esta, se basan utilizar como protagonistas a los famosos que encabezan las listas de “más guapos” o “más polémicos”, según opiniones de las audiencias.
A pesar de ello no se debe quitar mérito a las aventuras que hay en este film, porque puede llegar a considerarse que se convierten en igual de protagonistas, o más, que el propio Matthew.

Como locos a por el oro cuenta con un factor ventajoso, como es el hecho de que vuelve a juntar a una pareja que ya había trabajado junta en las pantallas de cine. Matthew y Kate fueron los protagonistas de “Como perder un chico en 10 días” (película del director Donald Petrie, estrenada en 2003). Esta pareja cinematográfica tuvo éxito en las pantallas, y es por este motivo que Andy Tennant apuesta nuevamente por ella. Es evidente que no se ha equivocado ay que este “duo” transmite una importante complicidad en la pantalla. Esto hace que la historia llegue al espectador de una forma más directa y amena. Se trata de una pareja con gran química que la transmiten a sus fans.

Respecto a los/las de Matthew, ellos ya conocen el sentido del humor que tiene, por lo cual al entrar a la sala de cine ya esperan encontrarse con una película que no les de tiempo a aburrirse. Es importante decir que Andy Tennant acierta a la hora de dosificar el humor para que no resulte exagerado; sino que aplica la medida justa para pasar un buen momento. De lo contrario, no sería una comedia sino un “chiste”. Ya se sabe que toda exageración es mala.

El montaje de la película merece una buena mención ya que tiene una calidad que hace que en ningún momento de tiempo a pensar si realmente está grabado en las aguas de Australia o en un plató de televisión. Los detalles, la combinación de los movimientos de cámara y de los cambios de plano ayudan a acrecentar este factor. A esto hay que sumarle la dificultad de grabar sobre agua; no todas las producciones cinematográficas con estas características consiguen resultados positivos. Como locos a por el oro no solo lo consigue, sino que además consigue unos efectos especiales muy naturales y con la medida justa, algo bastante difícil de conseguir en algunas ocasiones.

Decir que Como locos a por el oro es una película “bien hecha” es limitarse simplemente a una opinión simple y poco arriesgada. Como toda película claro que tiene aspectos positivos y negativos, pero la cuestión no está simplemente en saber reconocer cada uno de ellos, sino en saber encontrarle lo positivo a lo negativo dependiendo del tipo de público que vaya a ver la película. Cada espectador tendrá su punto de vista pero, es casi seguro que en este caso la gran mayoría coincidirá (o no) en que se trata de un film con la cuota justa (y acertada) de humor, aventura, romanticismo y efectos especiales. Lo mismo sucede con el culto a la belleza que, so bien es evidente en Como locos a por el oro, se trata de otro factor que tratado con sutileza, sin exagerar (demasiado). Un exceso de cualquiera de estos aspectos sería desastroso.

Últimamente las críticas de cine se repiten en que en este mundo del film se está perdiendo el rumbo de lo que realmente es el arte cinematográfico, de lo que se debe o no hacer para que una producción no sea “tópica y típica”, para que sea original. Pero puede ser que el problema radique en que en realidad nadie tiene aún las directrices precisas para poder definir qué es arte y qué no es. Además, ¿no dicen que la interpretación de todo arte es subjetiva? Pues entonces, no hay mucho más que decir, ¿o si?


Valeria Barreiro

CASI 300

Título: Casi 300 (Meet the Spartans)
Director: Jason Friedberg y Aaron Seltzer.
Año: 2008
País: Estados Unidos
Género: Comedia
Duración: 84 min.
Reparto: Sean Maguire, Carmen Electra, Ken Davitian, Kevin Sorbo, Jareb Dauplaise, Travis Van Winkle, Diedrich Bader, Method Man, Phil Morris, Nicole Parker, Emily Wilson.


Meet the Spartans, traducida como Casi 300 es una parodia más como Date Movie o Epic Movie de los directores Jasón Friedberg y Aarón Seltzer, pero esta vez centrándose en la exitosa película 300, pero englobando en la pantalla todo el panorama actual hollywoodiense, incluyendo figuras polémicas como Paris Hilton, Britney Spears y Lindsay Lohan, o personajes de cine como Rocky, Tom Cuise, Brad Pit o Angelina Jolie. También han incluido muchas referencias a éxitos de taquilla recientes como Transformers, Shrek, Casino Royale, Spiderman y Happy Feet: Rompiendo el Hielo y otras referencias como programas de televisión, reality shows norteamericanos como American Idol, American’s Next Top Model, Dancing with the Stars, entre otros.

Aaron Seltzer y Jason Friedberg han sido durante mucho tiempo socios como guionistas, habiendo vendido más de veinte guiones a lo largo de más de diecisiete años, entre ellos, destacan las sátiras Espía como puedas y Scary Movie. Los directores, sin salir de su línea, combinan el mundo extremadamente estilizado de la Esparta retratada en 300 con la cultura popular bombardeada por los medios. Estos contrastes chocan al espectador y hacen única la película. También hay que destacar la masculinidad que presentan los cuerpos musculosos de los 13 guerreros, en oposición a su forma de saludarse mediante un beso o la manera de ir a la guerra saltando y cantando “I will survive”. Los autores siguen demostrando que es más fácil ridiculizar otras películas que hacer la suya propia, aunque digan que lo hacen con la mejor intención del mundo.

El diseño visual de la película está correctamente “copiado”: Sean Maguire hace reír emulando al personaje interpretado en la original por Gerard Butler, secundado por Kevin Sorbo y Carmen Electra, siempre disponible para el papel de provocativa con desnudos incluidos.

A pesar de ser la típica película tonta estadounidense, hay momentos que hace reír mucho, pero en otros, el humor es tan estúpido que no hace ni gracia. Su problema es que no va más allá de referencia constante, algo típico en las comedias actuales. Por ejemplo, la homosexualidad de los espartanos era ya bastante evidente incluso en la original, lo cual no representa algo novedoso en esta. Así que, Casi 300 es una pobre repetición del mismo esquema, con algunos aciertos en la mimesis del original estilo visual de 300, algo entretenida, y en algunos momentos, graciosa.

El heroico Leonidas, sin más armas que la ropa interior de cuero y una capa, lidera un grupo de 13 espartanos en defensa de su patria contra los invasores persas (cuyas filas incluyen a Ghost Rider, Rocky Balboa, los Transformers y a una jorobada Paris Hilton...) pero nadie está a salvo cuando los espartanos se meten con los iconos de la cultura popular.

A pesar de haber recibido muchas malas críticas, hay que tener en cuenta que el presupuesto disponible era significativamente menor al de la película original, por lo cual era un desafío enorme para los directores emular el aspecto y la magnitud de 300. De manera que la presencia de imágenes generadas por ordenador, creación de efectos visuales mediante medios menos costosos, es evidente y lógicamente disminuye la calidad general. Así que la puesta en escena queda en segundo plano, pero la presencia de la música es constante y es evidente que lo importante es el guión y los actores, que suponen las herramientas básicas que provocan carcajadas. Realmente la película dispone de la misma seriedad en cuanto a los personajes, pero esta seriedad se rompe mediante el diálogo y las acciones.

Aunque Casi 300 no tenga nada que ver con los mitos como Aterriza como puedas (Airplane!) o Agárralo como puedas (Naked Gun), ha recaudado más de 35 millones de dólares en EUA y ha arrebatado el primer puesto a John Rambo, que venía con fuerza para convertirse en la película más vista durante muchas semanas. El caso es que gusta y eso es lo importante al fin y al cabo. Quizas el film no reciba muy buenas críticas de los expertos, pero el público es el que manda, y ellos sí que han dado buena nota según las cifras.

Como todo, esta película tiene sus virtudes y sus defectos. Presenta una violencia “sana”, puesto que las luchas tienen un aire chistoso. Pero también hay que decir que a veces resulta muy exagerada, repetitiva y el humor parece infantil y un poco antiguo. Es decir, que la gente esta tan acostumbrada a todo, que no le sorprende nada. Muchos dicen, que el buen cine se ha acabado, pero no es que se haya acabado, simplemente es el cine de siempre, pero que ya estamos cansados de verlo.

Obviamente, no es una película que pueda aspirar a un premio Oscar ni por asomo, que los directores tampoco lo reclaman; tampoco vale la pena ir al verla al cine realmente, así que lo ideal es verla por televisión y pasar un buen rato riéndose con amigos alrededor.

Lioudmila Vikoulina

Temor en las aulas

Título: Cobardes

Director: Juan Cruz y José Corbacho

Año: 2008

País: España

Género: Drama

Duración: 90 min.

Reparto: Elvira Mínguez, Antonio de la Torre, Lluís Homar, Paz Padilla, Eduardo Espinilla, Eduardo Garé

Todos tenemos miedo. Podemos tener miedo de algo o de alguien, pero al fin y al cabo es miedo. José Corbacho y Juan Cruz, muestran distintas formas de tener miedo en su último largometraje Cobardes.

La película narra la historia de Gaby, un chico de 14 años, que sufre acoso escolar por parte de uno de sus compañeros, Guille. Pero Gaby no es el único que siente miedo. Su madre, Merche (Elvira Mínguez), tiene miedo de que su familia se derrumbe y Joaquín (Antonio de la Torre), su padre, de que le echen del trabajo. Los padres de Guille tienen mejor posición social, pero también tienen miedo. Magda (Paz Padilla) la madre, de no saber cómo es realmente su hijo y Guillermo (Lluís Homar), su padre, del mundo político que le rodea.

De esta manera, podemos decir que el segundo largometraje de estos dos directores aborda algunos de los temores más frecuentes de la sociedad. Al igual que se establece en algunas teorías cinematográficas del psicoanálisis en este film se cristalizan los miedos más comunes de la población en general. El miedo a perder nuestro trabajo, a no ser aceptado por la sociedad, a no conocer verdaderamente a tus hijos, a no saber llevar correctamente tu familia, el miedo a tus propios alumnos… La diferencia es que Cobardes no busca aturdir ni emocionar profundamente al espectador, no intenta dominarlo ni implicarlo directamente. La película de Cruz y Corbacho se limita a mostrar lo que es cada vez más frecuente en los centros escolares en la actualidad, el acoso también conocido actualmente como bullying, pero sin dramatizaciones ni violencia explícita. Así, Cobardes une arte y vida, enseña a través de la gran pantalla lo que sucede en el contexto social más actual.

Esta actualidad más remota puede contemplarse en el interior del film transformada en elementos como los teléfonos móviles. En los últimos años, el uso del teléfono móvil entre los más jóvenes se ha vuelto prácticamente imprescindible y esto ha hecho que se haya introducido en todos los ámbitos de sus vidas. Los acosadores han transformado el teléfono móvil en un instrumento más de su agresión, utilizándolo para grabar las agresiones. Por esto, los dos directores han querido darle una importancia especial a este objeto, convirtiéndolo en un punto clave del film.

La película habla del acoso escolar, pero va más allá. No sólo nos enseña cómo se producen este tipo de agresiones sino que también nos invita a reflexionar sobre qué es lo que lleva a que se produzcan situaciones como esta. La incomunicación de los adolescentes y sus padres pasa a ser uno de los motivos principales. Guille, el agresor, arremete contra Gaby porque tiene miedo de defraudar a su padre, quien quiere que sea el más popular de la clase. La incomunicación y su situación familiar hacen que Guille exprese a golpes lo que verdaderamente siente. Por su parte, Gaby no se atreve a plantar cara a Guille ni a explicar a sus padres lo que le está sucediendo. Lo intenta en un par de ocasiones, pero sus padres están demasiado ocupados como para escucharle.

Se podría decir que, indirectamente, la película manda un mensaje haciendo entender a los padres que los hijos actúan en sus vidas según lo que ven y viven en casa. Gaby observa en una ocasión como su padre discute con su jefe y cómo, aun teniendo la razón, se limita a callar por miedo. Esto, hace que Gaby acabe callándose también.

Cobardes refleja lo que pasa en muchas familias, padres que no entienden que les está sucediendo a sus hijos, pero tampoco se esfuerzan en escucharlos. Otras veces, en cambio, son padres que saben perfectamente qué está ocurriendo pero que no quieren reconocer la verdad.

Así pues, la película muestra los miedos de los adolescentes, pero también de sus padres que no saben cómo hacer frente a muchas circunstancias, ya sea laborales, familiares o demás.

Cobardes al igual que Tapas, el primer largometraje de Cruz y Corbacho, habla de la vida de personas cercanas. Personas que perfectamente podrían ser nuestros vecinos, amigos o nosotros mismos. Pero, a diferencia de Tapas, la nueva película de este dúo de directores deja atrás el lado tierno y alegre y se centra únicamente en el lado más amargo. Cobardes se rodó en el mismo lugar que Tapas, Hospitalet del Llobregat, de donde son originarios los dos directores, aunque la mayor parte de la película transcurre en un instituto de secundaria del mismo Hospitalet. En el film, el instituto es un reflejo claro de la sociedad.

La interpretación de Cobardes está formada por actores profesionales que manejan su papel a la perfección como es el caso de Elvira Mínguez , que también actuó en Tapas, Antonio de la Torre, Lluís Homar o Paz Padilla, que por primera vez interpreta un personaje dramático. En un primer momento, puede resultar extraño a los ojos del espectador encontrarse con una Paz Padilla seria, disciplinada y con un registro diferente al habitual, pero a medida que se va desarrollando el film la naturalidad con la que se desenvuelve la actriz hace que se nos olvide su faceta cómica. Cobardes ha servido a Paz Padilla para demostrar que no sólo puede interpretar personajes graciosos.

A parte de los actores, los directores han contado con una gran cantidad de alumnos del colegio donde se rodó la película. Esto ha dado a la película cierta frescura, credibilidad y naturalidad.

La elección de la música es muy adecuada, ya que el tema principal para la banda sonora ha sido compuesto por “La Excepción”, un conocido grupo español de hip-hop. El estilo musical de este grupo y la letra que ha compuesto se ajusta a la perfección a la historia que Cruz y Corbacho quieren contar, aún más teniendo en cuenta que la historia se desarrolla entorno a unos chicos de unos catorce años y el hip-hop es un estilo musical muy popular entre los jóvenes.

La forma en la que los directores han enfocado el largometraje consigue que el espectador no se implique demasiado en la historia, no le hace cómplice ni participe de lo que sucede, simplemente le convierte en testigo. En lo que se refiere a los protagonistas no hace responsable de lo que sucede a ninguno de los personajes, porque todos tienen miedo y a la vez algo de culpa.

La puesta en escena de Cobardes dota al film de una gran verosimilitud, ya que todos los elementos que aparecen en escena están perfectamente justificados dentro de la historia.

Pero uno de los aspectos más chocantes de la película es el final, en este punto de la película es el espectador el que tiene que sacar sus propias conclusiones y reflexiones. Cruz y Corbacho se las han ingeniado para que sea el espectador el que decida que final es el que prefiere. Esto puede que desoriente en cierto modo al espectador, que espera ver cómo se soluciona un problema como el que plantea Cobardes.

En definitiva, la película establece un discurso cinematográfico sobre el presente, hace de la realidad una historia. Trata de demostrarnos que de un modo u otro todos somos…pues eso, cobardes.

Silvia Soler Urbano

27 anys d'emocions

L’últim “latigazo” de Indy


Hem esperat 19 anys per a que Indiana Jones tornés a les nostres pantalles. 19 anys esperant a que tres homes ( un director, Steven Spielberg; un productor, George Lucas i una estrella, Harrison Ford) donessin un pas per fer possible el retorn de les aventures de l’últim gran heroi.

Indiana Jones i el regne de la Calavera de Cristall és aquesta quarta aventura d’Indiana Jones.

Repartiment: Harrison Ford,
Shia LaBeouf,
Cate Blanchett,
Ray Winstone,
Karen Allen,
John Hurt,
Jim Broadbent

Director: Steven SpielbergGuió: Jeff Nathanson

Sinopsis: L’ultima aventura d’Indiana Jones (Harrison ford) comença al desert del sud-oest d’Estats Units al 1957, a plena Guerra Freda. Indy i el seu amic Mac (Ray Winstone) acaben d’escapar-se pels pèls de les mans d’uns infames agents soviètics d’un aeroport.

El professor Jones torna a casa i s’assabenta de què les coses no van de mal en pitjor. El seu millor amic, el degà de la Universitat(Jim Broadbent), li comenta que molts sospiten de les seves ultimes accions i que el govern està pressionant a la Universitat per a que l’acomiadin. Indiana, a punt d’anar-se’n, coneix a un jove rebel que es diu Mutt (Shia LaBeouf), que li proposa un tracte. Si l’arqueòleg l’ajuda a resoldre un problema personal, podria fer un dels descobriments més espectaculars de la història; la Calavera de Cristall de Akator, un objecte llegendari que desperta fascinació, la superstició i la por.

Indy i Mutt viatgen al racó més perdut del Perú, terra d’antigues tombes, exploradors oblidats i rumors d’una ciutat d’or. Però no tardaran a descobrir que no estan sols; els agents soviètics també volen apoderar-se de la calavera de Cristall. Els membres de la unitat militar d’elit, dirigits per la freda, calculadora i letal Irina Spalko (Cate Blanchett), volen apoderar-se de la Calavera, convençuts de què ajudarà als soviètics a dominar el món ... si aconsegueixen desxifrar el seu secret.

Indy i Mutt hauran de despistar als despietats soviètics, seguir la pista d’un misteri, sortejar enemics i amics dubtosos i, sobretot, impedir que la Calavera de Cristall caigui en mans equivocades.

Aquesta nova pel·lícula es la continuació d’una gran saga, i això es demostra en la continuïtat i elements que caracteritzen totes les seves pel·lícules.

Primer, Indiana Jones continua sent un personatge que, si atenem al que s’ha demostrat, continua sent professor d’arqueologia de la Universitat Marshall ( referència a Frank Marshall, productor de la saga) i continua buscant relíquies a les seves estones lliures. Com si res hagués canviat.

A més a més, no han canviat l’actor, com és habitual en aquestes pel·lícules d‘herois, espies.. un exemple James Bond, un personatge que ha passat per mans de diferents actors com Sean Connery, Pierce Brosnan i ara Daniel Craig. Això que fa que la pel·lícula no perdi reputació o obtingui rebutjos per les generacions que han crescut amb aquest personatge.

També en aquesta quarta edició s’ha apostat pel fil històric:

Indiana Jones en el Arca Perdida rep l’encàrrec per part de la intel·ligència americana per investigar a uns arqueòlegs nazis que volen l’Arca de l’Aliança.

A Indiana Jones y el Templo Maldito, després d’escapar-se de Shangay arriba a la India on topa casi per accident amb un maharajá i els negres poders de les Pedres de Sankara.

I amb Indiana Jones y la Ultima Cruzada, Indi al buscar el seu pare segrestat tornar a veure-se-les amb els homes de Hitler ( i amb aquest en persona) assedegats d’un glop de la vida eterna del sant Grial.

En aquesta ultima edició, no està de més i lluita contra els soviètics per aconseguir la calavera de cristall.

Però com és tradició la rigurositat històrica mai ha estat un aliat del cine d’aventures que ha pres la historia com a punt de partida. De fet, que hagués estat del Espartaco de Stanley Kubrick y Kirk Douglas sense l’èpica mort del seu protagonista a la creu?, o més recent 10.000 de Roland Emmerich sense les piràmides egípcies? I a Indiana Jones és on s’han comés gran patinades garrafals amb els elements històrics.
La història està al servei de la fantasia. I com no podia ser de cap més manera Spielberg i Lucas han decidit continuar erigint a Indiana Jones com a hereu del esperit de fabula que sempre ha planejat sobre Hollywood.

Però també hi ha coses que han canviat des de Indiana Jones i la Ultima Cruzada. El cine d’acció, aventures s’ha precipitat en un espiral en que la realitat virtual de Matrix alberga a Spiderman i a Yoda, generats amb ordenador. Però amb aquesta pel·lícula,- tot també haver canviat la persepció que es té de Spielberg, que s’ha guanyat el favor de la crítica i de l’acadèmia de Hollywood, i Lucas que també ha crescut després de la saga d’Star Wars- l’èxit està en buscar aquest valor afegit que té la saga, apoiar-se amb la nostàlgia. I com aconseguir-ho? Doncs, la part principal d’aquest viatge en la memòria: Harrison Ford. També ho aconsegueixen amb la voluntat dels productors de mantenir els aires d’altres temps i els looks de la saga, i per això en aquest pel·lícula es veu el rebuig o no abús dels efectes digitals.

Amb això, cal destacar que no han caigut en la incredulitat enjovenint al personatge i fent-lo el típic heroi. Han apostat per seguir la saga tal com ells han seguit la vida. No han tingut cap mena d’intenció d’enjovenir a l’heroi, com molt segurament s’haguessin esperat molts espectadors. Un heroi de carn i ossos amb els seus anys a damunt, però amb un futur, que almenys aquesta edició promet.

Almenys, tenint en compte el seu background veiem que la saga d’Indiana Jones ha estat un punt d’inflexió pel cine d’aventures. L’èxit, l’ha portat ha ser un referent per a moltes pel·lícules com: La gran Ruta hacia China de Brian Hutton (1983), Tras el corazón verde de Robert Zemeckis (1984); Las Minas del rey Salomon de J.Lee Thomson (1985); El templo del Oro de J. Lee Thomson i The Mummy de Stephen Sommers (1999). Per tant, no se crec que els productors s’hagin de preocupar per el resultat d’aquest film.

La pregunta del milió seria si... casi dos dècades esperant que Indiana Jones ens traslladés a un univers d’entreteniment pur i dur, còmplice i estimulant... ens esperarà un Indiana V?

Marta Orobitg Cortada

La Resistencia: Crónicas desde el videoclub (II)

ARMA FATAL (Hot Fuzz)



Dirección: Edgar Wright.
País: Reino Unido.
Año: 2007.
Duración: 121 min.
Género: Comedia, acción.
Interpretación: Simon Pegg (Nicholas Angel), Nick Frost (Danny Butterman), Jim Broadbent (Frank Butterman), Timothy Dalton (Simon Skinner), Paddy Considine (Andy Wainwright), Rafe Spall (Andy Cartwright), Edward Woodward (Tom Weaver), Billie Whitelaw (Joyce Cooper), Anne Reid (Leslie Tiller), Bill Nighy (inspector jefe).
Guión: Edgar Wright y Simon Pegg.




Hoy mi compañero está medio dormido, el pobre está de examenes y ayer estuvo estudiando hasta muy tarde. Vuelve a ser miércoles, y están a puntito de llegar las películas de estreno de esta semana. Me apetece ver algo, pero la verdad es que no hay mucho que elegir: Arma fatal, un drama argentino-japonés, una de acción de estadounidenses en Oriente Medio (que ya empiezan a cansar) y un par de infantiles, de las que no puedes ver si vas drogado pues los colores te fascinarían en exceso y podrías caer en trance. Mi compañero, al que hoy bautizaremos como X, se ha puesto a ver De la nit al día por Internet, y ya cabecea, a punto de quedarse dormido. Así que, sabiendo que me espera una mañana larga y aburrida, me decanto por esta comedia de título horrible que ha encandilado a los críticos y al público más cinéfilo.

Veamos el argumento. Nicholas Angel es el mejor agente de policía de todo Londres. Lo hace tan bien que está eclipsando a sus compañeros. Todos se alegran cuando se decide su traslado a Stanford, un apacible pueblo que ha ganado tres veces el galardón de “Mejor Pueblo del País”. Eso sí, él no se queda tan satisfecho.



A partir de aquí empieza todo. La gente de Stanford parece más jovial e ingenua que la de la ciudad. El pueblo es muy tranquilo. Poco a poco Nicholas va encontrándose con los habitantes más destacados de Stanford: el médico, el sacerdote, la tendera… A todos ellos se les ve muy unidos. El entorno es bucólico y casi no hay crímenes: ningún sitio mejor que éste para aburrirse.



Nicholas es un tipo eficiente y apasionado con su trabajo, característica que choca con el compañero de patrulla que le asignan: Danny, el torpe y simpático hijo del Investigador Jefe. Al principio su relación se basa en la admiración que Danny siente por el londinense, pero poco a poco van conectando y la coraza que se había formado entre ellos acaba rompiéndose, gracias a largas conversaciones en el coche de patrulla, salidas al teatro y buenos ratos en elpub del pueblo. Pero de repente dos personas mueren en extrañas condiciones, y Nicholas y Danny se enfrascan en una investigación que les llevará a descubrir el gran secreto que esconde la idílica villa de Stanford.



Arma fatal (Hot Fuzz) es la segunda película del británico Edgar Wright, que realizó Zombies Party (Shaun of the dead) hace tres años. Ésta, como bien sabréis, se ha convertido en una película de culto para aquellos que gustan de reír con ganas el cine. Su estreno fue un golpe de aire fresco entre tanta ‘trash parody’ del estilo Scary Movie. Zombies Party parodiaba el género de terror, pero no era sólo una sucesión de ‘gags’ sin sentido, su argumento era redondo y enganchaba. Esta vez Wright también ha dado en el clavo.



El humor de Arma fatal es rápido, inteligente y surrealista. Muy inglés, dirían algunos. Debe ser muy difícil encajar chistes y situaciones tan hilarantes en la credibilidad y el realismo. La película, por lo menos hasta que empiezan las misteriosas muertes, es creíble y tiene sentido. A esto contribuye también que todos los intérpretes se toman muy en serio sus personajes, unos personajes que tienen su profundidad, aunque sean meros secundarios. Algunos son estereotípos (como los dos detectives) pero al resto podrías encontrártelos perfectamente por las calles de tu ciudad. Eso sí, seguro que si supieras lo que han hecho te cambiarías de acera para no cruzarte con ellos.



Técnicamente Arma fatal es impecable. La realización es correcta, el montaje es frenético y bebe de las fuentes del moderno videoclip. La fotografía sabe adaptarse a cada situación. Hay algunas escenas de acción tan bien rodadas que ya las querrían para sí otras películas que se toman mucho más en serio a ellas mismas. Hay que destacar los extraños raccords de acción entre personajes diferentes, un recurso que da una agilidad muy especial al film.



Arma fatal me ha dejado satisfecho. Tengo la sensación de haber visto un producto completo e interesante, tan comercial como alternativo. Ésta película la pueden disfrutar tanto aquellas personas que sólo buscan diversión como las que intentan sentir algo más. Creo que ya no me queda mucho que decir, solo que hacía mucho tiempo que no me reía tanto con una película.



Y mientras aún resuenan mis últimas carcajadas, el sufrido X ya se ha quedado dormido encima del mostrador. Los clientes lo miran con pena, como a un mendigo o a un yonki. Pobrecito. Con la ayuda de un chico que ha venido a comprar unos lacasitos lo llevamos hasta el almacén, donde se vuelve a quedar dormido tirado en el suelo. Le digo que tenga cuidado con las cucarachas y él farfulla que quiere macarrones con atún para comer. El chico, cuando sale, me pregunta si tenemos “Dos rubias de pelo en pecho”, y yo niego con la cabeza con cara de asqueroso resabidillo.

Mario García

La Resistencia: Crónicas desde el videoclub

SUPERSALIDOS (Superbad)

FICHA TÉCNICA
Director: Greg Mottola
Año: 2007
Estreno en DVD: 5 de marzo
Intérpretes: Jonah Hill, Michael Cera, Christopher Mintz-Plasse, Bill Hader, Emma Stone, Martha MacIsaac, Aviva, Scott Gerbacia
Guión: Seth Rogen, Evan Goldberg
País: EEUU

Supersalidos es una película que ha traído cola. Unos dicen: “¡Bien! ¡Qué sorpresa! La verdad es que me esperaba otro American Pie”; otros, más difíciles de convencer, replican: “Pero, ¿dónde le veis la maldita gracia? ¡Si es lo mismo de siempre!” Y muchos otros, movidos por los prejuicios que provoca el título, ni se han planteado verla. Ésta mañana nos ha llegado al videoclub y la hemos puesto en nuestro DVD para poder opinar. Además, una comedia siempre va bien para empezar el día.

En el primer bloque de película conocemos a los personajes principales y los vemos en un día normal. Han ido al instituto, el verano está a la vuelta de la esquina y los tres protagonistas viven con las hormonas revueltas. Los tres nos llaman la atención, paradójicamente, por su normalidad; no son chicos guapos, son “realmente” jóvenes (no son los treintañeros disfrazados de alumnos de instituto tan comunes en las comedias adolescentes norteamericanas) y se parecen mucho a cualquiera de nosotros a esa edad: tienen miedos, se sienten confusos y se ven diferentes a los demás. Los tres son muy diferentes entre sí, y eso parece conectarles. Seth es el gordo que se imposta una actitud chulesca con las mujeres (siempre que no estén delante), Evan tiene un carácter mucho más retraído y respetuoso que Seth y Fogel parece el prototípico empollón pringado que todo instituto debe tener.

La acción comienza cuando Fogel explica que va a conseguir un carné de conducir falso. Los otros dos no le hacen mucho caso hasta que la chica que le gusta invita a Seth a una fiesta de graduación que va a celebrar en su casa. Entonces, lleno de hombría, Seth se compromete a comprar todo el alcohol necesario utilizando a Fogel y a su nuevo carné, en el que se llama, simplemente, “McLovin”.

Y a partir de aquí todo se descontrola, los tres chicos se separan (Seth y Evan por un lado y McLovin por el otro) y sufren de lo lindo para llegar a la fiesta sanos y salvos con la bebida que habían prometido llevar. Ésta premisa, a simple vista muy poco original, logra ir por nuevos caminos gracias a situaciones divertidas y surrealistas, sobretodo cuando la cámara acompaña a McLovin y a sus compañeros de viaje, dos ineptos policías. Y aquí llegan los primeros problemas de la película, pues la historia de Evan y Seth tiene mucho menos interés y rompe el chispeante ritmo y estilo de las aventuras de McLovin. Esto, suponemos, es a causa de que Evan y Seth se enfrentan a una crisis que puede hacer que su relación de amistad se deteriore. ¿Qué les sucede? Pues que el curso se acaba y el año que viene no iran juntos a la universidad, por mucho que se lo hubiesen prometido durante toda su vida.

Un punto fuerte de la película es la profundidad y los matices que han sabido darle a los personajes los guionistas y quienes los interpretan. Al final de su odisea todos han madurado un poquito: Seth y Evan recomponen su amistad expresándose sus sentimientos y McLovin consigue plantar cara a una situación difícil ligándose a la chica de sus sueños. Seth también aprende que puede interesarle a una chica sin necesidad de que esté borracha.El guión deja cabos sueltos y hay algunos puntos que no acaban de explicarse, sobretodo en cuanto al comportamiento de las mujeres. Mi compañero y yo no dejemos de preguntarnos cosas como: “¿Porqué una chica tan guapa se fija en Seth? ¿Son realmente tan liberales las adolescentes estadounidenses? ¿Si es así, debería irme a vivir allí?”

Y da la impresión de que el azar domina los acontecimientos más de lo deseado. Esto, junto a la desmesura y lo exagerado de algunas situaciones, provocan que el espectador se aleje de la película y deje de sentirse identificado con los mismos personajes que al principio le habían parecido tan cercanos. Aquí, el surrealismo, la sorpresa y la exageración, algo que da tan buenos resultados en una serie como Padre de familia, se convierte en estupidez y logra distraer la atención de la historia. Otro factor a criticar del guión es que esos diálogos tan ingeniosos dejan de ser creíbles a medida que avanza la historia, pues no es normal que chicos de 18 años suelten espontáneamente tal cantidad de frases divertidas.

En cuestiones más técnicas nos encontramos con una dirección plana y muy neutra, una fotografía que se acerca al telefilme y un ritmo demasiado lento para nuestro gusto. Ya sabemos que, en estos aspectos, tampoco se le puede pedir mucho a una comedia, pero quizás una correcta dirección hubiese dado más nervio a algunas escenas, que acaban diluyéndose entre tanto plano/contraplano/general. En éste campo se ha de nombrar lo poco aprovechada que está la música en algunas escenas, en las que no aporta absolutamente nada. Además, la selección musical es muy poco original y está dominada casi exclusivamente por piezas festivas tropicales y pop-rock blandito y soso.

Supersalidos es una película respetable y entretenida. Es de valorar que haya intentado dar un paso adelante en el ya trillado subgénero de las comedias americanas de adolescentes salidos. Pero una estructuración de los hechos que acaba aburriendo y un exceso de moralidad encubierta hacen que acabe perdiendo la frescura y se quede en, simplemente, un buen intento. En fin, otra vez será.

Mario García

FARGO

Título: Fargo
Director: Joel y Ethan Coen
Año: 96
País: EUA
Género: Thriller
Duración: 100min.
Reparto: Francensc MC Dormand, William H. Macy, Steve Buscemi, Peter Stormare, Harve Presnell y Kristin Rudrüd.

El vendedor de coches Jerry Lundengaard (William H. Macy) se ve envuelto en un ‘marrón’ por sus múltiples deudas económicas intentando solucionarlo de la forma más absurda. Sin escrúpulos el comercial contrata a dos matones (Steve Buscemi y Meter Stormare) para secuestrar a su esposa para conseguir el dinero de la ‘fuente seca’ de su suegro, un ricachón. La idea inicial era repartir el dinero entre los secuestradores y el, sin embargo por el camino se cobran cuatro víctimas y todo se trastoca.

Humor negro absurdo, esa es la base del film. Algo entre un thriller y una comedia difícil de identificar como cualquier película de los hermanos Coen pero con gancho y receta propia, para variar. Además te hace reír continuamente desde el principio. A destacar cuando salen las típicas letras de basado en hechos reales la tipografía y la calidad de estas que ya detectan que es otra burla más al cine convencional a la vez que invita a jugar al espectador.

Personajes raros, con una fisonomía muy característica que dan miedo sólo con mirarlos, como solía hacerse en el cine mudo en las películas de terror. Además se hace burla de ellos en todo el film. Conceptos como raro, mudo, e incluso algunas miradas son constantes.

Normalmente sus actores tienen gancho pero son difíciles de digerir, a excepción de Crueldad Intolerable, donde los protagonistas son George Clooney y Caterine Zeta Jones.

El argumento no es nada nuevo, es el típico pero la realización y el guión son muy buenos. Sobretodo la primera. Todo tipo de planos y múltiples secuencias. El montaje también está muy logrado es el adecuado para un film de estas características no es ni rápido ni lento, tiene un buen ritmo que mantiene alerta al receptor sin aburrirlo ni alterándolo. Así tanto la producción como la postproducción son excelentes.

El diálogo es pura comedia, es muy natural, a veces demasiado. Se dicen los unos a los otros lo que piensan en todo momento tal y como lo piensan. Muchas veces te da la sensación de que te saquen las palabras de la boca creando así una máxima proximidad con el espectador. Y además, estoy segura de que no es pura coincidencia sino que es lo que se pretende. De hecho Fargo obtuvo el Oscar al mejor guión original, además de a la mejor actriz.

La imagen artística está poco cuidada. El arte escénico y la belleza no forman parte de los argumentos del film. Los hermanos Coen no buscan causar admiración hacia lo precioso y perfecto sino gracia. No utilizan las típicas escenas de la playa, o las de ciertos descampados bajo la luz de la luna. Esto no es nada nuevo en sus producciones ya que lo han hecho a lo largo de toda su carrera.

La música no tiene un papel determinante en este proyecto. No me ha llamado la atención en ningún momento. El punto más débil de Fargo es que desde el principio sabes como acabará y que papel juega cada uno. Aún así el punto de sal está en seguir paso a paso a los Coen. Es decir, entrar en su dinámica, en el juego del cineasta y pasar un buen rato con un thriller de los más estúpidos y a la vez bueno que se ha producido nunca.

La verdad, tiene mucho valor que una película de los años 90 tenga esta calidad y sea tan completa en tantos aspectos. Probablemente si la comparásemos con otras españolas actuales se abriría una gran brecha difícil de ‘salvar’ con ningún guión por bueno que sea. Una vez más, el cine de EUA nos muestra su superioridad técnica frente al español, que aún padece un retraso considerable en parte por la Historia Española y las ‘reservas’ del Franquismo.
Totalmente recomendada para los amantes del cine y para entender el punto de mira de los Coen, totalmente diferente a la resta. Este miércoles se proyectó en la Caixa de Tarragona y su éxito fue tremendo, sólo había que escuchar las reacciones del público a la salida, los comentarios. Éxito rotundo en el auditorio casi tan grande como cuando se estrenó en el 96.

Meritxell Alba

EN EL PUNTO DE MIRA

Títol: En el punto de mira
Director: Pete TravisAny: 2008
País: USA

Gènere: Thriller

Duració: 90 min.
Intèrprets: Dennis Quaid, Matthew Fox, Forest Whitaker, Sigourney Weaver, William Hurt, Bruce McGill, Ayelet Zurer, Eduardo Noriega

En el punto de mira és un llargmetratge que recrea l’intent d’assassinat del president d’EUA durant una cimera celebrada a Espanya sobre la lluita contra el terrorisme. Concretament, mostra com, sota l’expectació de milers de persones i l’atenta mirada d’un agent del Servei Secret, sorgeix el pànic i es desencadena el caos a la Plaça Major de Salamanca. La particularitat del guió recau en què els fets són narrats des de vuit punts de vista diferents: vuit persones (entre elles una productora, un videoaficionat i els propis implicats directament) que, en menor o major grau, es veuen immersos en el fatídic atemptat.

L’aposta (aparentment) innovadora de muntar un esquema no lineal es veu clarament truncada pels errors de forma; aquests emfatitzats davant la complexitat de rodar a Mèxic uns fets ambientats a Salamanca. Així doncs, enmig del film podem veure senyals d”Alto”, gran multitud d’extres amb fesomia iberoamericana i un traçat urbà difícil de situar en terres espanyoles.

D’altra banda, aquesta idea inicial tampoc acaba de donar el vistiplau a la complexa realització ja que, al final del llargmetratge, el ritme frenètic queda resolt amb un simple esquema lineal que engloba moltes llacunes narratives. Entre elles: Quin era el propòsit dels terroristes? No és irònic intentar salvar una nena quan acabes de posar una bomba que matarà desenes de persones innocents?

Malgrat l’exquisit repartiment (amb actors de reconegut prestigi com Dennis Quaid, Forest Whitaker o Sigourney Weaver) i el plantejament inicial, l’espectador es perd enmig d’un cúmul de trets i persecucions que l’enlluernen i acaben per desorientar-lo al mateix temps que descobreix la carència de documentació del projecte. A més a més, tot i que a priori l’exposició dels diversos punts de vista sembla interessant, aquesta acaba convertint-se en una repetició tediosa de poc més que el mateix que ja hem vist, fet que acaba desplaçant tota l’exhibició i la parafernàlia a la simple indiferència.

En resum, la pel·lícula intenta atreure l’espectador optant per narrar uns fets des de diferents punts de mira, però acaba sent un cúmul d’efectes especials i errors de forma que disten molt de destramar el propòsit final: l’objectiu dels terroristes i el per què de tota l’aposta escenogràfica.

Laia Dolcet

La Soledad

Título: La Soledad
Director: Jaime Rosales
Año: 2007 (Ganadora del Goya 2008 a la Mejor Película)
País: España
Género: Drama
Duración: 130 min.
Reparto: Sonia Almarcha, Petra Martínez, Miriam Correa, Nuria Mencia, María Bazán, Jesús Cracio



La vida cotidiana de dos mujeres sin aparente relación , Adela ( Sonia Almarcha) y Antonia (Petra Martínez) aparece en la pantalla de forma paralela desde el inicio del film.

Adela es una joven separada que vive en el pueblo con su padre y su hijo. Cansada de vivir en un pueblo decide cambiar su vida y trasladarse con su hijo al bullicio de Madrid, donde compartirá piso con Inés y Carlos. Además, conseguirá trabajo como azafata. Todo va bien hasta que se produce un inesperado suceso que transformará su vida para siempre.


Antonia es la propietaria de un pequeño supermercado. Lleva una vida tranquila junto a su novio Manolo y sus tres hijas. Todo cambia cuando a su hija Nieves, le diagnostican un cáncer y las otras dos, Helena e Inés, discuten por asuntos relacionados con la venta del piso de su madre. Es ahí cuando el espectador percibe qué tienen en común las dos protagonistas: Adela es compañera de piso de lnés, la hija de Antonia.


Jaime Rosales utiliza durante toda la película una serie de recursos técnicos que la hacen diferente al resto de largometrajes. La polivisión es uno de estos recursos que caracterizan La Soledad. Durante una gran parte de la película la pantalla está dividida en dos partes, permitiendo así al espectador tener dos puntos de vista diferentes de una misma escena. En la película también es palpable el gusto del director por el fuera de campo, ya que en muchas escenas hay algun personaje fuera del campo visual de la cámara, lo que suscita cierta intriga al espectador.


Un aspecto que llama la atención inevitablemente es el protagonismo que Jaime Rosales le ha querido dar al silencio, ya que en multitud de ocasiones nos muestra a los personajes realizando alguna actividad completamente callados. Este uso del silencio obliga al espectador a centrarse en la persona que se ve en la pantalla y comprender su estado anímico. Es precisamente ese silencio el indicador de la soledad y el vacío que sienten los personajes. Por lo que se refiere a los diálogos que mantienen los personajes están totalmente vacíos, siendo la mayoría absurdos e innecesarios para entender la historia que se nos está contando. De esta manera, podemos decir que se nos ofrece una visión aburrida y cotidiana de la vida.


Sobre la interpretación, destaca la realizada por Petra Martínez como Antonia. La actriz entra en el papel de lleno y consigue que el espectador sienta lástima por su personaje, el cual ve como una de sus hijas la utiliza para poder comprarse una casa en la playa.


La Soledad es una película innovadora, arriesgada y atípica con recursos formales de gran calidad, pero aún así es aburrida y pesada hasta la saciedad. La realidad diaria de cualquiera de nosotros y nada más que eso es lo que se puede encontrar en relación al contenido. Personajes conversando con el camarero de un bar sobre qué es lo que deben pagar o con desconocidos en el autobús para pasar el rato forman parte de la esencia de la película.


La Soledad no cumple con las expectativas que la mayoría de los espectadores se crearían de una película como esta considerada como la mejor película española del año. Sinceramente, en mi caso no apagué el televisor esperando a que se produjera un giro sorprendente en la historia o a que sucediera algo que tuviera verdadero interés, cosa que no ocurrió.







Silvia Soler

10.000 a.C.

Título: 10.000 a.C (Título original: 10,000 B.C)
Dierector: Romand Emmerich
Año: 2008
País: Estados Unidos
Género: Aventura, Drama
Duración: 109 minutos
Reparto: Camilla Belle, Steve Strait, Cliff Curtis, Omar Sharif, Tim Barlow, Suri van Sornsen, Reece Ritchie, Marco Khan, Mona Hammond, Mona Zinal.

10.000 a.C es una película de Romand Emmerich en la que intenta transmitirnos la vida y creencias de nuestros antepasados prehistóricos. La mejor táctica que encontró fue centrar la historia un joven guerrero de tan sólo 21 años (D’leh) que va en busca de la joven (Evolet) que, con el encanto de sus ojos azules, consiguió enamorar su corazón. Cuando ambos eran tan sólo unos niños comprendieron que estaban destinados a estar juntos. Pero en el transcurso de este largo camino se encuentra con la misión de salvar a su tribu y de cumplir profesías y leyendas que ni él mismo cree ser capaz de cumplir.

La película nos remonta a una era mitológica. Una época en que la vida de las comunidades de seres humanos de la Tierra giraba en torno a las profecías y dioses, y en la que los verdaderos dueños de sus vidas eran los espíritus y los mamuts o animales que ni nosotros conocemos. Se representa una época de la historia en la que los humanos (o cavernícolas) se veían obligados a luchar contra animales como los mamuts o los tigres “Diente de Sable“. Se trata de una etapa histórica con unas características tales que resulta difícil distinguir quién es la bestia: ¿el hombre o el animal? Pero cuesta aún más si se tiene en cuenta un factor como el tamaño de los animales que aparecen durante todo el film. En una intensa búsqueda de una forma de reflejar la forma de vida de los cavernícolas, Emmerich cae en el tópico de las luchas entre cavernícolas y y animales extremadamente grandes. Se convierten en un sin fin de enfrentamientos entre seres que cuesta distinnguir cuál es más primitivo.

¿Cómo puede una persona del siglo XXI imaginarse la forma de vida de nuestros seres antepasados? Lógicamente viendo 10.000 a.C. Esa habrá sido la idea original (y la única) del director de esta película. Pero…resulta un poco complicado, sino imposible, creer que lo que hoy conocemos como unos simples animales tan parecidos a los elefantes que vemos en el zoo podían llegar a imponer tanto miedo. Esto se complica aún más si se le suma el factor técnico de esta producción cinematográfica. Los efectos especiales realizados a ordenador resultan muy evidentes, incluso demasiado evidentes. Resulta decepcionante ver como un director del nivel de Emmerich no es capaz de darse cuenta que algunas veces no basta con cantidades interminables de efectos. Técnicas por las que ha sido reconocido en sus anteriores películas, resultan ser exageradas en un film en el que la historia central carece de sentido y lógica.

Basar toda una película en simples persecusiones y luchas sólo consigue remarcar aún más los deficiencias que puedan tener los efectos especiales. Si la historia fuera buena y atrayera la atención de los espectadores, éstos no centrarian su mirada crítica en dichos defectos. Diálogos vacíos, sin una finalidad aparente, son algunos de los graves errores que comete Emmerich.

A la falta de lógica y temática se le suma los nombres que Emmerich eligió para dar vida a los protagonistas de esta película. No sólo resultan difíciles de recordar, sino que hasta puede decirse que al acabar la película los espectadores somos incapaces de referirnos a cada personaje por su nombre. La excesiva cantidad de nombres extraños que aparecen en este film es tan innecesaria como la vestimenta veraniega que lucen estos personajes en el corazón de la antártida. Este es otro aspecto que quita credibilidad y atracción a la historia. Las pieles que llevan puestas los cavernícolas no concuerdan con esas especies de “camisetas” de manga corta y pantalones cortos que visten los intérpretes.

Durante el transcurso de 10.000 a.C van apareciendo una gran cantidad de personajes que no aportan sentido a la historia. Dioses, espíritus, animales gigantes…invaden la pantalla en busca de transmitir sensaciones que pareciera que ni el propio director supiera cuáles son y en qué se basan. Si a esto le sumamos la imagen perfecta que presenta los dos jóvenes protagonistas durante las intensas luchas, aumenta aún más la falta de credibilidad de la historia. Es cierto que una película no tiene la obligación de ser creible, pero al menos sí debería serlo el aspecto de los personajes. Básicamente consiste en ser coherente con las aventuras que viven estos personajes con los efectos que estas aventuras producen en o sobre ellos. La única sensación que transmite la imagen del joven guerrero y de la joven de los ojos azules es la de unos actores que cuentan con estilistas personales las 24 horas del día.

¿Original en su género? No es la expresión adecuada para la última película de Emmerich. El género de aventura siempre está plagado de efectos especiales, cambios bruscos de planos, movimientos de cámaras repentinos, etc. Y de eso no carece 10.000 a.C. ¿Novedosa? Si se tiene en cuenta el tema de esta nueva proyección, podría decirse que es novedosa.

Básicamente, si el especador entra a la sala de cine y lo primero que hace es decir: “¡Dios! Yo pensaba que sería diferente” y lo único que tiene ganas es de levantarse con las palomitas aún sin empezar; puede decirse que la película merecería una revisión para intentar llegar como mucho a un aprobado.

Valeria Barreiro