La Resistencia: Crónicas desde el videoclub (II)

ARMA FATAL (Hot Fuzz)



Dirección: Edgar Wright.
País: Reino Unido.
Año: 2007.
Duración: 121 min.
Género: Comedia, acción.
Interpretación: Simon Pegg (Nicholas Angel), Nick Frost (Danny Butterman), Jim Broadbent (Frank Butterman), Timothy Dalton (Simon Skinner), Paddy Considine (Andy Wainwright), Rafe Spall (Andy Cartwright), Edward Woodward (Tom Weaver), Billie Whitelaw (Joyce Cooper), Anne Reid (Leslie Tiller), Bill Nighy (inspector jefe).
Guión: Edgar Wright y Simon Pegg.




Hoy mi compañero está medio dormido, el pobre está de examenes y ayer estuvo estudiando hasta muy tarde. Vuelve a ser miércoles, y están a puntito de llegar las películas de estreno de esta semana. Me apetece ver algo, pero la verdad es que no hay mucho que elegir: Arma fatal, un drama argentino-japonés, una de acción de estadounidenses en Oriente Medio (que ya empiezan a cansar) y un par de infantiles, de las que no puedes ver si vas drogado pues los colores te fascinarían en exceso y podrías caer en trance. Mi compañero, al que hoy bautizaremos como X, se ha puesto a ver De la nit al día por Internet, y ya cabecea, a punto de quedarse dormido. Así que, sabiendo que me espera una mañana larga y aburrida, me decanto por esta comedia de título horrible que ha encandilado a los críticos y al público más cinéfilo.

Veamos el argumento. Nicholas Angel es el mejor agente de policía de todo Londres. Lo hace tan bien que está eclipsando a sus compañeros. Todos se alegran cuando se decide su traslado a Stanford, un apacible pueblo que ha ganado tres veces el galardón de “Mejor Pueblo del País”. Eso sí, él no se queda tan satisfecho.



A partir de aquí empieza todo. La gente de Stanford parece más jovial e ingenua que la de la ciudad. El pueblo es muy tranquilo. Poco a poco Nicholas va encontrándose con los habitantes más destacados de Stanford: el médico, el sacerdote, la tendera… A todos ellos se les ve muy unidos. El entorno es bucólico y casi no hay crímenes: ningún sitio mejor que éste para aburrirse.



Nicholas es un tipo eficiente y apasionado con su trabajo, característica que choca con el compañero de patrulla que le asignan: Danny, el torpe y simpático hijo del Investigador Jefe. Al principio su relación se basa en la admiración que Danny siente por el londinense, pero poco a poco van conectando y la coraza que se había formado entre ellos acaba rompiéndose, gracias a largas conversaciones en el coche de patrulla, salidas al teatro y buenos ratos en elpub del pueblo. Pero de repente dos personas mueren en extrañas condiciones, y Nicholas y Danny se enfrascan en una investigación que les llevará a descubrir el gran secreto que esconde la idílica villa de Stanford.



Arma fatal (Hot Fuzz) es la segunda película del británico Edgar Wright, que realizó Zombies Party (Shaun of the dead) hace tres años. Ésta, como bien sabréis, se ha convertido en una película de culto para aquellos que gustan de reír con ganas el cine. Su estreno fue un golpe de aire fresco entre tanta ‘trash parody’ del estilo Scary Movie. Zombies Party parodiaba el género de terror, pero no era sólo una sucesión de ‘gags’ sin sentido, su argumento era redondo y enganchaba. Esta vez Wright también ha dado en el clavo.



El humor de Arma fatal es rápido, inteligente y surrealista. Muy inglés, dirían algunos. Debe ser muy difícil encajar chistes y situaciones tan hilarantes en la credibilidad y el realismo. La película, por lo menos hasta que empiezan las misteriosas muertes, es creíble y tiene sentido. A esto contribuye también que todos los intérpretes se toman muy en serio sus personajes, unos personajes que tienen su profundidad, aunque sean meros secundarios. Algunos son estereotípos (como los dos detectives) pero al resto podrías encontrártelos perfectamente por las calles de tu ciudad. Eso sí, seguro que si supieras lo que han hecho te cambiarías de acera para no cruzarte con ellos.



Técnicamente Arma fatal es impecable. La realización es correcta, el montaje es frenético y bebe de las fuentes del moderno videoclip. La fotografía sabe adaptarse a cada situación. Hay algunas escenas de acción tan bien rodadas que ya las querrían para sí otras películas que se toman mucho más en serio a ellas mismas. Hay que destacar los extraños raccords de acción entre personajes diferentes, un recurso que da una agilidad muy especial al film.



Arma fatal me ha dejado satisfecho. Tengo la sensación de haber visto un producto completo e interesante, tan comercial como alternativo. Ésta película la pueden disfrutar tanto aquellas personas que sólo buscan diversión como las que intentan sentir algo más. Creo que ya no me queda mucho que decir, solo que hacía mucho tiempo que no me reía tanto con una película.



Y mientras aún resuenan mis últimas carcajadas, el sufrido X ya se ha quedado dormido encima del mostrador. Los clientes lo miran con pena, como a un mendigo o a un yonki. Pobrecito. Con la ayuda de un chico que ha venido a comprar unos lacasitos lo llevamos hasta el almacén, donde se vuelve a quedar dormido tirado en el suelo. Le digo que tenga cuidado con las cucarachas y él farfulla que quiere macarrones con atún para comer. El chico, cuando sale, me pregunta si tenemos “Dos rubias de pelo en pecho”, y yo niego con la cabeza con cara de asqueroso resabidillo.

Mario García

La Resistencia: Crónicas desde el videoclub

SUPERSALIDOS (Superbad)

FICHA TÉCNICA
Director: Greg Mottola
Año: 2007
Estreno en DVD: 5 de marzo
Intérpretes: Jonah Hill, Michael Cera, Christopher Mintz-Plasse, Bill Hader, Emma Stone, Martha MacIsaac, Aviva, Scott Gerbacia
Guión: Seth Rogen, Evan Goldberg
País: EEUU

Supersalidos es una película que ha traído cola. Unos dicen: “¡Bien! ¡Qué sorpresa! La verdad es que me esperaba otro American Pie”; otros, más difíciles de convencer, replican: “Pero, ¿dónde le veis la maldita gracia? ¡Si es lo mismo de siempre!” Y muchos otros, movidos por los prejuicios que provoca el título, ni se han planteado verla. Ésta mañana nos ha llegado al videoclub y la hemos puesto en nuestro DVD para poder opinar. Además, una comedia siempre va bien para empezar el día.

En el primer bloque de película conocemos a los personajes principales y los vemos en un día normal. Han ido al instituto, el verano está a la vuelta de la esquina y los tres protagonistas viven con las hormonas revueltas. Los tres nos llaman la atención, paradójicamente, por su normalidad; no son chicos guapos, son “realmente” jóvenes (no son los treintañeros disfrazados de alumnos de instituto tan comunes en las comedias adolescentes norteamericanas) y se parecen mucho a cualquiera de nosotros a esa edad: tienen miedos, se sienten confusos y se ven diferentes a los demás. Los tres son muy diferentes entre sí, y eso parece conectarles. Seth es el gordo que se imposta una actitud chulesca con las mujeres (siempre que no estén delante), Evan tiene un carácter mucho más retraído y respetuoso que Seth y Fogel parece el prototípico empollón pringado que todo instituto debe tener.

La acción comienza cuando Fogel explica que va a conseguir un carné de conducir falso. Los otros dos no le hacen mucho caso hasta que la chica que le gusta invita a Seth a una fiesta de graduación que va a celebrar en su casa. Entonces, lleno de hombría, Seth se compromete a comprar todo el alcohol necesario utilizando a Fogel y a su nuevo carné, en el que se llama, simplemente, “McLovin”.

Y a partir de aquí todo se descontrola, los tres chicos se separan (Seth y Evan por un lado y McLovin por el otro) y sufren de lo lindo para llegar a la fiesta sanos y salvos con la bebida que habían prometido llevar. Ésta premisa, a simple vista muy poco original, logra ir por nuevos caminos gracias a situaciones divertidas y surrealistas, sobretodo cuando la cámara acompaña a McLovin y a sus compañeros de viaje, dos ineptos policías. Y aquí llegan los primeros problemas de la película, pues la historia de Evan y Seth tiene mucho menos interés y rompe el chispeante ritmo y estilo de las aventuras de McLovin. Esto, suponemos, es a causa de que Evan y Seth se enfrentan a una crisis que puede hacer que su relación de amistad se deteriore. ¿Qué les sucede? Pues que el curso se acaba y el año que viene no iran juntos a la universidad, por mucho que se lo hubiesen prometido durante toda su vida.

Un punto fuerte de la película es la profundidad y los matices que han sabido darle a los personajes los guionistas y quienes los interpretan. Al final de su odisea todos han madurado un poquito: Seth y Evan recomponen su amistad expresándose sus sentimientos y McLovin consigue plantar cara a una situación difícil ligándose a la chica de sus sueños. Seth también aprende que puede interesarle a una chica sin necesidad de que esté borracha.El guión deja cabos sueltos y hay algunos puntos que no acaban de explicarse, sobretodo en cuanto al comportamiento de las mujeres. Mi compañero y yo no dejemos de preguntarnos cosas como: “¿Porqué una chica tan guapa se fija en Seth? ¿Son realmente tan liberales las adolescentes estadounidenses? ¿Si es así, debería irme a vivir allí?”

Y da la impresión de que el azar domina los acontecimientos más de lo deseado. Esto, junto a la desmesura y lo exagerado de algunas situaciones, provocan que el espectador se aleje de la película y deje de sentirse identificado con los mismos personajes que al principio le habían parecido tan cercanos. Aquí, el surrealismo, la sorpresa y la exageración, algo que da tan buenos resultados en una serie como Padre de familia, se convierte en estupidez y logra distraer la atención de la historia. Otro factor a criticar del guión es que esos diálogos tan ingeniosos dejan de ser creíbles a medida que avanza la historia, pues no es normal que chicos de 18 años suelten espontáneamente tal cantidad de frases divertidas.

En cuestiones más técnicas nos encontramos con una dirección plana y muy neutra, una fotografía que se acerca al telefilme y un ritmo demasiado lento para nuestro gusto. Ya sabemos que, en estos aspectos, tampoco se le puede pedir mucho a una comedia, pero quizás una correcta dirección hubiese dado más nervio a algunas escenas, que acaban diluyéndose entre tanto plano/contraplano/general. En éste campo se ha de nombrar lo poco aprovechada que está la música en algunas escenas, en las que no aporta absolutamente nada. Además, la selección musical es muy poco original y está dominada casi exclusivamente por piezas festivas tropicales y pop-rock blandito y soso.

Supersalidos es una película respetable y entretenida. Es de valorar que haya intentado dar un paso adelante en el ya trillado subgénero de las comedias americanas de adolescentes salidos. Pero una estructuración de los hechos que acaba aburriendo y un exceso de moralidad encubierta hacen que acabe perdiendo la frescura y se quede en, simplemente, un buen intento. En fin, otra vez será.

Mario García

FARGO

Título: Fargo
Director: Joel y Ethan Coen
Año: 96
País: EUA
Género: Thriller
Duración: 100min.
Reparto: Francensc MC Dormand, William H. Macy, Steve Buscemi, Peter Stormare, Harve Presnell y Kristin Rudrüd.

El vendedor de coches Jerry Lundengaard (William H. Macy) se ve envuelto en un ‘marrón’ por sus múltiples deudas económicas intentando solucionarlo de la forma más absurda. Sin escrúpulos el comercial contrata a dos matones (Steve Buscemi y Meter Stormare) para secuestrar a su esposa para conseguir el dinero de la ‘fuente seca’ de su suegro, un ricachón. La idea inicial era repartir el dinero entre los secuestradores y el, sin embargo por el camino se cobran cuatro víctimas y todo se trastoca.

Humor negro absurdo, esa es la base del film. Algo entre un thriller y una comedia difícil de identificar como cualquier película de los hermanos Coen pero con gancho y receta propia, para variar. Además te hace reír continuamente desde el principio. A destacar cuando salen las típicas letras de basado en hechos reales la tipografía y la calidad de estas que ya detectan que es otra burla más al cine convencional a la vez que invita a jugar al espectador.

Personajes raros, con una fisonomía muy característica que dan miedo sólo con mirarlos, como solía hacerse en el cine mudo en las películas de terror. Además se hace burla de ellos en todo el film. Conceptos como raro, mudo, e incluso algunas miradas son constantes.

Normalmente sus actores tienen gancho pero son difíciles de digerir, a excepción de Crueldad Intolerable, donde los protagonistas son George Clooney y Caterine Zeta Jones.

El argumento no es nada nuevo, es el típico pero la realización y el guión son muy buenos. Sobretodo la primera. Todo tipo de planos y múltiples secuencias. El montaje también está muy logrado es el adecuado para un film de estas características no es ni rápido ni lento, tiene un buen ritmo que mantiene alerta al receptor sin aburrirlo ni alterándolo. Así tanto la producción como la postproducción son excelentes.

El diálogo es pura comedia, es muy natural, a veces demasiado. Se dicen los unos a los otros lo que piensan en todo momento tal y como lo piensan. Muchas veces te da la sensación de que te saquen las palabras de la boca creando así una máxima proximidad con el espectador. Y además, estoy segura de que no es pura coincidencia sino que es lo que se pretende. De hecho Fargo obtuvo el Oscar al mejor guión original, además de a la mejor actriz.

La imagen artística está poco cuidada. El arte escénico y la belleza no forman parte de los argumentos del film. Los hermanos Coen no buscan causar admiración hacia lo precioso y perfecto sino gracia. No utilizan las típicas escenas de la playa, o las de ciertos descampados bajo la luz de la luna. Esto no es nada nuevo en sus producciones ya que lo han hecho a lo largo de toda su carrera.

La música no tiene un papel determinante en este proyecto. No me ha llamado la atención en ningún momento. El punto más débil de Fargo es que desde el principio sabes como acabará y que papel juega cada uno. Aún así el punto de sal está en seguir paso a paso a los Coen. Es decir, entrar en su dinámica, en el juego del cineasta y pasar un buen rato con un thriller de los más estúpidos y a la vez bueno que se ha producido nunca.

La verdad, tiene mucho valor que una película de los años 90 tenga esta calidad y sea tan completa en tantos aspectos. Probablemente si la comparásemos con otras españolas actuales se abriría una gran brecha difícil de ‘salvar’ con ningún guión por bueno que sea. Una vez más, el cine de EUA nos muestra su superioridad técnica frente al español, que aún padece un retraso considerable en parte por la Historia Española y las ‘reservas’ del Franquismo.
Totalmente recomendada para los amantes del cine y para entender el punto de mira de los Coen, totalmente diferente a la resta. Este miércoles se proyectó en la Caixa de Tarragona y su éxito fue tremendo, sólo había que escuchar las reacciones del público a la salida, los comentarios. Éxito rotundo en el auditorio casi tan grande como cuando se estrenó en el 96.

Meritxell Alba

EN EL PUNTO DE MIRA

Títol: En el punto de mira
Director: Pete TravisAny: 2008
País: USA

Gènere: Thriller

Duració: 90 min.
Intèrprets: Dennis Quaid, Matthew Fox, Forest Whitaker, Sigourney Weaver, William Hurt, Bruce McGill, Ayelet Zurer, Eduardo Noriega

En el punto de mira és un llargmetratge que recrea l’intent d’assassinat del president d’EUA durant una cimera celebrada a Espanya sobre la lluita contra el terrorisme. Concretament, mostra com, sota l’expectació de milers de persones i l’atenta mirada d’un agent del Servei Secret, sorgeix el pànic i es desencadena el caos a la Plaça Major de Salamanca. La particularitat del guió recau en què els fets són narrats des de vuit punts de vista diferents: vuit persones (entre elles una productora, un videoaficionat i els propis implicats directament) que, en menor o major grau, es veuen immersos en el fatídic atemptat.

L’aposta (aparentment) innovadora de muntar un esquema no lineal es veu clarament truncada pels errors de forma; aquests emfatitzats davant la complexitat de rodar a Mèxic uns fets ambientats a Salamanca. Així doncs, enmig del film podem veure senyals d”Alto”, gran multitud d’extres amb fesomia iberoamericana i un traçat urbà difícil de situar en terres espanyoles.

D’altra banda, aquesta idea inicial tampoc acaba de donar el vistiplau a la complexa realització ja que, al final del llargmetratge, el ritme frenètic queda resolt amb un simple esquema lineal que engloba moltes llacunes narratives. Entre elles: Quin era el propòsit dels terroristes? No és irònic intentar salvar una nena quan acabes de posar una bomba que matarà desenes de persones innocents?

Malgrat l’exquisit repartiment (amb actors de reconegut prestigi com Dennis Quaid, Forest Whitaker o Sigourney Weaver) i el plantejament inicial, l’espectador es perd enmig d’un cúmul de trets i persecucions que l’enlluernen i acaben per desorientar-lo al mateix temps que descobreix la carència de documentació del projecte. A més a més, tot i que a priori l’exposició dels diversos punts de vista sembla interessant, aquesta acaba convertint-se en una repetició tediosa de poc més que el mateix que ja hem vist, fet que acaba desplaçant tota l’exhibició i la parafernàlia a la simple indiferència.

En resum, la pel·lícula intenta atreure l’espectador optant per narrar uns fets des de diferents punts de mira, però acaba sent un cúmul d’efectes especials i errors de forma que disten molt de destramar el propòsit final: l’objectiu dels terroristes i el per què de tota l’aposta escenogràfica.

Laia Dolcet

La Soledad

Título: La Soledad
Director: Jaime Rosales
Año: 2007 (Ganadora del Goya 2008 a la Mejor Película)
País: España
Género: Drama
Duración: 130 min.
Reparto: Sonia Almarcha, Petra Martínez, Miriam Correa, Nuria Mencia, María Bazán, Jesús Cracio



La vida cotidiana de dos mujeres sin aparente relación , Adela ( Sonia Almarcha) y Antonia (Petra Martínez) aparece en la pantalla de forma paralela desde el inicio del film.

Adela es una joven separada que vive en el pueblo con su padre y su hijo. Cansada de vivir en un pueblo decide cambiar su vida y trasladarse con su hijo al bullicio de Madrid, donde compartirá piso con Inés y Carlos. Además, conseguirá trabajo como azafata. Todo va bien hasta que se produce un inesperado suceso que transformará su vida para siempre.


Antonia es la propietaria de un pequeño supermercado. Lleva una vida tranquila junto a su novio Manolo y sus tres hijas. Todo cambia cuando a su hija Nieves, le diagnostican un cáncer y las otras dos, Helena e Inés, discuten por asuntos relacionados con la venta del piso de su madre. Es ahí cuando el espectador percibe qué tienen en común las dos protagonistas: Adela es compañera de piso de lnés, la hija de Antonia.


Jaime Rosales utiliza durante toda la película una serie de recursos técnicos que la hacen diferente al resto de largometrajes. La polivisión es uno de estos recursos que caracterizan La Soledad. Durante una gran parte de la película la pantalla está dividida en dos partes, permitiendo así al espectador tener dos puntos de vista diferentes de una misma escena. En la película también es palpable el gusto del director por el fuera de campo, ya que en muchas escenas hay algun personaje fuera del campo visual de la cámara, lo que suscita cierta intriga al espectador.


Un aspecto que llama la atención inevitablemente es el protagonismo que Jaime Rosales le ha querido dar al silencio, ya que en multitud de ocasiones nos muestra a los personajes realizando alguna actividad completamente callados. Este uso del silencio obliga al espectador a centrarse en la persona que se ve en la pantalla y comprender su estado anímico. Es precisamente ese silencio el indicador de la soledad y el vacío que sienten los personajes. Por lo que se refiere a los diálogos que mantienen los personajes están totalmente vacíos, siendo la mayoría absurdos e innecesarios para entender la historia que se nos está contando. De esta manera, podemos decir que se nos ofrece una visión aburrida y cotidiana de la vida.


Sobre la interpretación, destaca la realizada por Petra Martínez como Antonia. La actriz entra en el papel de lleno y consigue que el espectador sienta lástima por su personaje, el cual ve como una de sus hijas la utiliza para poder comprarse una casa en la playa.


La Soledad es una película innovadora, arriesgada y atípica con recursos formales de gran calidad, pero aún así es aburrida y pesada hasta la saciedad. La realidad diaria de cualquiera de nosotros y nada más que eso es lo que se puede encontrar en relación al contenido. Personajes conversando con el camarero de un bar sobre qué es lo que deben pagar o con desconocidos en el autobús para pasar el rato forman parte de la esencia de la película.


La Soledad no cumple con las expectativas que la mayoría de los espectadores se crearían de una película como esta considerada como la mejor película española del año. Sinceramente, en mi caso no apagué el televisor esperando a que se produjera un giro sorprendente en la historia o a que sucediera algo que tuviera verdadero interés, cosa que no ocurrió.







Silvia Soler

10.000 a.C.

Título: 10.000 a.C (Título original: 10,000 B.C)
Dierector: Romand Emmerich
Año: 2008
País: Estados Unidos
Género: Aventura, Drama
Duración: 109 minutos
Reparto: Camilla Belle, Steve Strait, Cliff Curtis, Omar Sharif, Tim Barlow, Suri van Sornsen, Reece Ritchie, Marco Khan, Mona Hammond, Mona Zinal.

10.000 a.C es una película de Romand Emmerich en la que intenta transmitirnos la vida y creencias de nuestros antepasados prehistóricos. La mejor táctica que encontró fue centrar la historia un joven guerrero de tan sólo 21 años (D’leh) que va en busca de la joven (Evolet) que, con el encanto de sus ojos azules, consiguió enamorar su corazón. Cuando ambos eran tan sólo unos niños comprendieron que estaban destinados a estar juntos. Pero en el transcurso de este largo camino se encuentra con la misión de salvar a su tribu y de cumplir profesías y leyendas que ni él mismo cree ser capaz de cumplir.

La película nos remonta a una era mitológica. Una época en que la vida de las comunidades de seres humanos de la Tierra giraba en torno a las profecías y dioses, y en la que los verdaderos dueños de sus vidas eran los espíritus y los mamuts o animales que ni nosotros conocemos. Se representa una época de la historia en la que los humanos (o cavernícolas) se veían obligados a luchar contra animales como los mamuts o los tigres “Diente de Sable“. Se trata de una etapa histórica con unas características tales que resulta difícil distinguir quién es la bestia: ¿el hombre o el animal? Pero cuesta aún más si se tiene en cuenta un factor como el tamaño de los animales que aparecen durante todo el film. En una intensa búsqueda de una forma de reflejar la forma de vida de los cavernícolas, Emmerich cae en el tópico de las luchas entre cavernícolas y y animales extremadamente grandes. Se convierten en un sin fin de enfrentamientos entre seres que cuesta distinnguir cuál es más primitivo.

¿Cómo puede una persona del siglo XXI imaginarse la forma de vida de nuestros seres antepasados? Lógicamente viendo 10.000 a.C. Esa habrá sido la idea original (y la única) del director de esta película. Pero…resulta un poco complicado, sino imposible, creer que lo que hoy conocemos como unos simples animales tan parecidos a los elefantes que vemos en el zoo podían llegar a imponer tanto miedo. Esto se complica aún más si se le suma el factor técnico de esta producción cinematográfica. Los efectos especiales realizados a ordenador resultan muy evidentes, incluso demasiado evidentes. Resulta decepcionante ver como un director del nivel de Emmerich no es capaz de darse cuenta que algunas veces no basta con cantidades interminables de efectos. Técnicas por las que ha sido reconocido en sus anteriores películas, resultan ser exageradas en un film en el que la historia central carece de sentido y lógica.

Basar toda una película en simples persecusiones y luchas sólo consigue remarcar aún más los deficiencias que puedan tener los efectos especiales. Si la historia fuera buena y atrayera la atención de los espectadores, éstos no centrarian su mirada crítica en dichos defectos. Diálogos vacíos, sin una finalidad aparente, son algunos de los graves errores que comete Emmerich.

A la falta de lógica y temática se le suma los nombres que Emmerich eligió para dar vida a los protagonistas de esta película. No sólo resultan difíciles de recordar, sino que hasta puede decirse que al acabar la película los espectadores somos incapaces de referirnos a cada personaje por su nombre. La excesiva cantidad de nombres extraños que aparecen en este film es tan innecesaria como la vestimenta veraniega que lucen estos personajes en el corazón de la antártida. Este es otro aspecto que quita credibilidad y atracción a la historia. Las pieles que llevan puestas los cavernícolas no concuerdan con esas especies de “camisetas” de manga corta y pantalones cortos que visten los intérpretes.

Durante el transcurso de 10.000 a.C van apareciendo una gran cantidad de personajes que no aportan sentido a la historia. Dioses, espíritus, animales gigantes…invaden la pantalla en busca de transmitir sensaciones que pareciera que ni el propio director supiera cuáles son y en qué se basan. Si a esto le sumamos la imagen perfecta que presenta los dos jóvenes protagonistas durante las intensas luchas, aumenta aún más la falta de credibilidad de la historia. Es cierto que una película no tiene la obligación de ser creible, pero al menos sí debería serlo el aspecto de los personajes. Básicamente consiste en ser coherente con las aventuras que viven estos personajes con los efectos que estas aventuras producen en o sobre ellos. La única sensación que transmite la imagen del joven guerrero y de la joven de los ojos azules es la de unos actores que cuentan con estilistas personales las 24 horas del día.

¿Original en su género? No es la expresión adecuada para la última película de Emmerich. El género de aventura siempre está plagado de efectos especiales, cambios bruscos de planos, movimientos de cámaras repentinos, etc. Y de eso no carece 10.000 a.C. ¿Novedosa? Si se tiene en cuenta el tema de esta nueva proyección, podría decirse que es novedosa.

Básicamente, si el especador entra a la sala de cine y lo primero que hace es decir: “¡Dios! Yo pensaba que sería diferente” y lo único que tiene ganas es de levantarse con las palomitas aún sin empezar; puede decirse que la película merecería una revisión para intentar llegar como mucho a un aprobado.

Valeria Barreiro

NO ES PAÍS PARA VIEJOS

Título: No es país para viejos (No country for old men)

Director: Ethan Coen y Joel Coen

Año: 2007

País: USA

Género: Drama, thriller

Duración: 122 min.

Reparto: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Garret Dillahunt, Barry Corbin, Kelly Macdonald, Woody Harrelson, Stephen Root, Barry Corbin, James Brolin


No country for old men, traducida como No es país para Viejos, es una película dirigida por hermanos Coen. El film, rodado en Oeste americano, refleja la cultura de la sangre y la vida basada en “la ley de la jungla”, englobando aspectos como violencia, tentación, supervivencia, sacrificio, amor y esperanza, resaltados aun más mediante la brillantez de diálogos e imágenes. Este escalofriante thriller, basado en la novela homónima de Cormac McCarthy, ha conseguido el éxito merecido, que se ve reflejado en dos Globos de Oro y ocho nominaciones al Oscar.

La opinión de los primerizos que la vieron al cine se puede resumir en “decepción”, pero según mi punto de vista esta impresión se debe en parte influenciada por la resonancia de prestigio de la que la han rodeado, que hace que las expectativas sean demasiado altas para la misma. Pero como la vi después de haber escuchado las dichas críticas, iba concienciada a ver una película “decepcionante”. Y me llevé una gran sorpresa, me pareció una obra entretenida que tiene su punto de excelencia.

La historia empieza cuando Llewelyn Moss (Josh Brolin), un cazador que está cerca de Río Grande encuentra una camioneta rodeada por varios cadáveres. En la parte trasera de ésta, hay un cargamento de heroína y dos millones de dólares. La escena parece ser una operación fallida de narcotráfico, pero aun así, Moss no percibe peligro y coge el dinero. Desde ese momento el cazador se convierte en presa. Mientras Moss intenta huir de sus perseguidores, sobretodo del despiadado psicópata Antón Chigurt (Javier Bardem), que se juega las vidas ajenas a cara o cruz, la película pone en evidencia la delincuencia estaunidense. Por otro lado está la ley, representada por Sheriff Bell (Tommy Lee Jones), que no consigue frenar la persecución sangrienta, donde las vidas valen tan solo una moneda.

Los Coen han vuelto a hacer un buen cine, pero no han generado una obra maestra, a pesar de la exageración de muchas críticas, pero sí que hace saltar chispas en la pantalla como una película perturbadora. La pureza de planos demuestra que los directores han querido hacer protagonistas a los propios actores, al propio guión y no a los giros de cámara ni a un montaje innovador.

Hay que destacar el excelente reparto, que hace que la acción gire entorno a tres personajes: Josh Brolin es, sin duda, el espejo del común de los mortales, que no duda en quedarse con dos millones de dólares; Javier Bardem representa un nihilismo contemporáneo, una maldad tan sofisticada y coherente en apariencia como banal y estéril en el fondo, que persigue hasta el infinito a Moss para recuperar el dinero desaparecido; y el veterano Tommy Lee Jones, que se ve superado por los acontecimientos y lo prefiere antes que familiarizarse con ellos.

Indudablemente, la estrella de la película es Javier Bardem, que hace una actuación excelente, a la vez que sorprendente. Luciendo el corte de pelo más horrible que le podían haber hecho, representa un auténtico psicópata de una forma que pocos serían capaces: transmite la ausencia de compasión por la vida humana hasta límites que no estamos acostumbrados a ver en nuestra vida diaria con sólo una mirada y provoca tensión con tan sólo aparecer en la escena. A pesar de ser un papel rico en matices, Bardem no está exento de mérito. El actor español declaraba que se inspiró en Bush para interpretar a este maníaco asesino.

La actuación de Josh Brolin está más que correcta en su papel, que da cierta humanidad a la gente de Texas, antiguos vaqueros cuya historia está más marcada en su carácter que el del resto de Estados Unidos. Es curioso que por el hecho de tener conciencia y corazón, comience una masacre sin fin. Tommy Lee Jones da lo mejor de su mirada infinita a la débil acción policial que trata de detener la matanza.

A pesar de tener un ritmo lento, puesto que es una película larga para el argumento disponible, no llega a aburrir y tiene acceleraciones inesperadas como la escena cuando salen del hotel y se dedican a tirotearse. También hay que decir que el final es inesperado y no acaba de convencer.

Es posible que No hay lugar para viejos no sea tan impresionante como dicen algunas críticas, pero es una buen cine que merece la pena ver.

Lioudmila Vikoulina

Siete meses de billar francés

Siete mesas(de billar francés)

Títol V.O.: Siete mesas (de billar francés)

Any de producció: 2007

Gènere: Drama

Director: Gracia Querejeta

Guió: Gracia Querejeta, David Planell


Intérpretes:

Enrique Villén (Tuerto),

Maribel Verdú (Ángela),

Ramón Barea (Jacinto),

Amparo Baró (Emilia),

Jesús Castejón (Antonio),

Blanca Portillo (Charo),

Raúl Arévalo (Fele),

Víctor Valdivia (Guille)


Àngela i el seu fill Guille viatgen a la gran ciutat davant l’enfermetat de Leo, el pare de l’Àngela i l’avi del nen. Poc després de que arribessin a Madrid, Leo mor. És la Charo, amant del difunt, la que posa al dia a l’Àngela de la ruïna del negoci del seu pare: un local de billars. Per la Charo la única solució davant el gran deute és vendre. Poc després d’això, l’Àngela, a més a més, rep la noticia de la desaparició del seu marit per algun “chanchullo”. A partir de llavors, l’Angela s’aferra fort i vol tirar endavant sigui com sigui i reconstruir la seva vida. I per això, lo primer que decideix és utilitzar tots els seus estalvis per tornar a posar en marxa el vell local de 7 taules de billar.

És una pel·lícula que parla sobre segones oportunitats, sobre passats que deixen marca, i on es veuen clarament les situacions quotidianes, el món real.

Aquest film sap combinar perfectament el drama de la vida amb humor, guanyant, però,aquest últim gràcies als personatges que estan realment molt ben caracteritzats, Però amb un fons realment dramàtic. També, els diàlegs són molt bons, sobretot el de les dos protagonistes, Maribel Verdú i Blanca Portillo, amb els quals també es dona aquesta combinació entre el dramatisme i l’humor i la ironia. A més, la interpretació dels actors és molt bona, tan de les dos protagonistes com dels actors secundaris.

Ara bé, el que motiva d’aquest film, més qe els personatges tan perfilats, el guió, la interpretació, és el rastre de la mort (el pare en aquest cas) que va deixant a darrera seu. No són tant interessants les trifurques de la treballadora immigrant de la sala de billar, la dificultat de visió d’un dels jugadors o, fins i tot, els problemes conjugals de la protagonista.

No obstant, tot i tenir totes aquestes característiques a favor seu ( guió, personatges, direcció) no aporta res de nou ja que primerament, la directora Gracia Querejeta ja ha fet pel·lícules molt semblants a Siete mesas de billar francés. Un exemple seria Hèctor, la seva anterior producció, ( un nen que se li mort la mare i passa a viure amb la seva tieta de una casa cèntrica amb jardí a un pis petit a un barri de Madrid. En aquesta situació apareix el pare que vol que vagi amb ell a Cuba. Davant aquesta situació tan dramàtica el noi ha de comprendre aquesta nova realitat i buscar el seu lloc),. Hèctor comparteix amb aquest film l’escenari, un barri popular de Madrid, uns personatges desubicats buscant el seu lloc a la vida.... O també, Cuando vuelvas a mi lado , tres germanes assisteixen al funeral de la seva mare i a partir d’aquí segueix el fil dramàtic.

A més, crec que moltes pel·lícules espanyoles tracten temes molt dramàtics, amb aquests fons tristos que ajuden a donar una visó encara més tètrica, dramàtica, i alhora inclouen el punt de sal de l’humor. Podria dir alguns exemples com són Azuloscurocasinegro, Volver, Planta 4...(cada una amb la seva historieta i característica particular, clar).

Marta Orobitg Cortada

Una película necesaria

Título: Memoria negra
Director: Xavier Montanyà
Año: 2007
País: España
Género: Documental




Xavier Montanyà es escritor. Es licenciado en Ciencias de la Información por la UAB. Colabora asiduamente en prensa, radio y televisión. Es coautor del libro La torna de la torna, Salvador Puig Antich y el mil. Ha codirigido los documentales Granados y Delgado, un crimen legal y Winnipeg, palabras de un exilio. También ha ejercido de guionista y coautor de la serie de T.V. Música per a camaleons, de TVC. Montanyà debuta en el cine con Memoria Negra.



Memoria Negra recoje el testimonio de un exiliado guineano que sirve para recomponer el pasado reciente de Guinea Ecuatorial, desde la colonización española, pasando por la independencia (el 12 de octubre de 1969), la sangrienta dictadura de Francisco Macias, hasta llegar al actual régimen de Teodoro Obiang, sustentado por la riqueza petrolífera del país. Su recorrido personal sirve para entender un poco más el sufrimiento del pueblo guineano.

El régimen franquista y los pactos de la transición apartaron el tema de la colonización de Guinea Ecuatorial de la opinión pública. La película muestra lo que a nadie le gusta recordar, tal como ha pasado con otras muchas historias como la de la Alemania nazi

El director pretende exponer la trayectoria de la ocupación española en Guinea Ecuatorial. Según él, la opinión pública desconoce los aspectos principales y el país aún no ha reflexionado sobre la colonización. “Ha sido durante años una materia reservada para los dos gobiernos, el de Guinea y el de España”. Insiste mucho en este tema porque aún hoy día quedan muestras de ello en Guinea, más allá del idioma o del catolicismo mezclado con ciertos ritos animistas, practicado por el 80,1% de la población.

La película fue rodada en Camerún, ya que el gobierno guineano no permitó la entrada al equipo al saber que iban a realizar un documental político de denuncia. No hay personalidades de la autoridad guineana en el film. Para imagenes del país han recurrido a archivo videográfico y a algunas fotografías de antiguos colonos españoles. Hay testimonios de autoridades políticas españolas que vivieron la colonización (Manuel Fraga Iribarne) de opositores y también de exiliados del mundo de las artes. Además, se han incluído curiosos documentos que nos enseñan la visión del poder franquista sobre la colonización: para ellos España tenia que ser una nación civilizadora de los pueblos primitivos.

En la película también se toca, muy de pasada, el papel de las multinacionales en la Guinea Ecuatorial de hoy en día. Éstas, como hacen en tantos otros países pobres, han encontrado en ese país una gran fuente de recursos y de mano de obra barata.

En la conferencia posterior a la película se hizo referencia a otros temas que no aparecen en la película como el Golpe de Estado de Teodoro Obiang, que estuvo a punto de ser apoyado por el gobierno español. Intervino en ella un miembro de la comunidad guineana que suscribió la tesis de la película de Xavier Montanyà.

Lo que valoramos de ésta película es su posicionamiento claro: es anti-colonizadora y pesimista sobre el futuro de Guinea Ecuatorial. Es valiente y necesario sacar a la luz estos temas, que han caído en el olvido gracias a los esfuerzos del poder de ocultar lo que le es incómodo.

G7